Die Preisträgerinnen

Die wohl bewegendste Rede des Abends hörten wir von Helga Reidemeister. Sie wurde mit dem ersten Dortmunder Dokumentarfilmpreis für ihr Lebenswerk als Dokumentarfilmregisseurin ausgezeichnet. Mit dem Preisgeld in Höhe von 10.000 Euro, die von der Sparkasse Dortmund gestiftet wurden, will sie schon bald nach Afghanistan reisen, um ihr nächstes Filmprojekt zu realisieren. Nach vielen Danksagungen an ihre Helfer kam Reidemeister auf ihre Studierenden zu sprechen, die durch den sich wandelnden Zeitgeist in der Medienlandschaft immer mehr in ihrer künstlerischen Freiheit eingeschränkt werden. „Das macht mich traurig und wütend“, sagte die 71-Jährige unter Tränen.

Im Nationalen Wettbewerb für Bildgestaltung durften sich zwei Talente über einen Preis für ihre Leistungen freuen. Mit jeweils 2.500 Euro wurden Eva Maschke wurde für ihren Dokumentarfilm „Frauenzimmer“ und Hanne Klaas für ihren Dokumentarfilm „Ole“ honoriert. Die Wahl der Gewinnerinnen erfolgte durch die Jury, die sich in diesem Jahr aus den Bildgestalterinnen Sophie Maintigneux, Daniela Knapp und Stephanie Hardt zusammensetzte.

Den Internationalen Spielfilmpreis für Regisseurinnen erhielt die Griechin Athina Rachel Tsangari für ihren Film „Attenberg“. Der Film behandelt die Problematik des Erwachsen-Werdens einer jungen Frau, die dabei ist, ihre Sexualität zu erkunden, und gleichzeitig ihren krebskranken Vater in den Tod begleitet. Die Jurymitglieder Maren Kroymann und Melissa Silverstein übergaben den Preis, der mit 25.000 Euro dotiert ist. Begründet wurde die Wahl der Preisträgerin unter anderem damit, dass es Tsangari in ihrem Film gelingt, konventionelle Erzählformen des Films und Stilmittel aus anderen Kunstformen wie Tanz, Performance, Tier-Improvisation und Popmusik miteinander verschmelzen zu lassen.

Ariane Astrid Atodji, die Gewinnerin des Publikumspreises für ihren Film „Koundi et le jeudi national“ saß zur Zeit der Gewinner- Bekanntgabe bereits im Flieger nach Kamerun. „Ich habe vor wenigen Tagen ein Interview mit ihr geführt. Ich bin sehr sicher, dass sich diese engagierte Frau riesig freuen wird“, sagt Adam Zapert, ebenfalls angehender Online-Redakteur an der FH Köln.

Ein gelungener Abschluss

Nach der etwa zweistündigen Preisübergabe wurde über den Dächern Dortmunds weitergefeiert. Im Festsaal des Dortmunder U genossen die Festival-Teilnehmerinnen, -Organisatorinnen und -Gewinnerinnen ein großes Buffet, Getränke und Musik. Alles in allem war es ein entspannter Abend mit einigen Gesichtern, die man nun nicht mehr vergessen wird. Mit Reden, die einen berührt und vielleicht sogar zum Nachdenken bewegt haben. Es war eine Woche voller Frauenpower. Eine Woche mit etlichen guten Filmen und eine Woche, die wir so auch im nächsten Jahr wieder erleben wollen.

Die Sicht der Blogger

Denn das sechstägige Festival war auch für uns Blogger eine lehrreiche Erfahrung. Viele von uns erfuhren zum ersten Mal, wie der Alltag einer Online-Redaktion aussehen kann. Unter den Umständen eines Filmfestivals war hier natürlich noch mehr Schnelligkeit gerfordert, da rund um die Uhr neue Filme liefen – in unterschiedlichen Kinos. „Für mich war das eine sehr gute Erfahrung und ich finde es schon schade, dass das Festival so schnell vorbei war. Ich werde versuchen, auch im nächsten Jahr teilzunehmen“, sagt die angehende Online- Redakteurin Nadine Esch.

Wir sagen Danke!

Abschließend möchten wir uns bei den immer freundlichen Organisatorinnen des IFFF, den netten und hilfsbereiten Kolleginnen aus dem Pressebüro sowie natürlich unserer engagierten Dozentin Prof. Dr. Petra Werner bedanken.

Vivian Schareina und Julika Röhrich

She was jury member at this years‘ IFFF, the International Women‘s Film Festival in Dortmund, Germany. Melissa came directly from New York to join the festival. She was very excited because it has been her first time in Germany ever. In the interview she speaks about the festival, the reformation of feminism and how to create voices for women.

What for do we need a women‘s movie festival?

It‘s important to have a festival with a focus on movies made by women. We know that women make good movies. A part of the problem is that they are smaller. So we need to figure out a way to raise their profile and thats what those festivals do. In this years line-up of Cannes Film Festival only four films are directed by women

Your blog „Women and Hollywood“ is a big voice for women in the movie industry. How was this this idea born? Why „Women and Hollywood“?

I was always interested in the popular culture, in Hollywood and movies. Than I realized I could write about women and feminism and bring a different perspective to the conversation about women. „Hollywood“ is such a big thing and an easy term for people to get. So it‘s a very good title. There are still a lot of disadvantages for women in Hollywood. 23 % of the producers are women, 10 % of the movies are written, less then 7 % of the films are directed by women, and only 2 % of the directors of cinematography are women. So there is still a lot to do.

In the political world the situation slowly changes. In some countries women are in leadership positions. How important are they?

It‘s important to show that women can do it. What we need is to have more examples. I wish more of the people would have more of a progressive idea about how women should be treated in the cultures. We will have different kind of women out there, progressive or conservative. Getting more of the women in leadership positions makes the people not just talk about the girl in the room and the conversation about the gender disappears. I want to talk about the agenda and not the gender. Angela Merkel is a bit too conservative for my taste.

Today the traditional feminism seems a bit too conservative. Do we have to fight in the same way like in the 70‘s?

No, it‘s good that the feminism changes. Why should woman today fight in the same way like others did ages ago? Things should change and develop. I am very happy about the progress and the dialog we have today.

What are the main issues in feminism today?

Same work for same money, more women in leadership positions and reproductive freedom. I wish that in the conversation about the last one we would have come much more farther.

Another controversial topic is the wearing of a headscarf by muslim women in public places. Should we put a ban on it?

People have their own religious believes, but I think women never should wear a headscarf. To ban it can‘t be a good solution to solve the problem. If that‘s what these women really want, we won‘t change anything with a law. One cannot help anyone, if someone doesn‘t want to.

Can anyone help men to emancipate? Because that‘s what it‘s about as well.

No, men have to do it on their own. Women have come quite far. What men have to do, is to change their old behavioral roles. What we need is equality. The problem is, that although in America both – women and men – are working, the women still do the work at home on their own. Men can decide not to work 60 hours a week or stay with their kids at home.

What is your personal aim with your work?

It changes all the time based on what is going on in the world and how the blog is resonating. I see my blog as a jumping off point to other conversations. So what I want to achieve with all the projects that I do, like the Athena Film Festival and my blog, is using the blog to create a conversation. Taking all the interviews of women directors and to put them out there in one place, so that people can see, there are so many great women directors. So it‘s about creating voices for women.

Adam Zapert

Links:

„Women and Hollywood“

Im Raum sind ungefähr 120 Sitzplätze eingerichtet. Vorne eine Leinwand, seitlich davon ein roter und ein blauer Scheinwerfer, die ein buntes „X“ auf die Projektionsfläche werfen. Die hochgelegene Decke des Raumes erinnert an die eines Gewächshauses. Zwischen den Stühlen der ersten Reihe und der Leinwand befindet sich bis auf ein Klavier nur freier Raum. Jetzt soll die Vorführung beginnen. Ruth Bieri steht von ihrem Stuhl in der ersten Reihe auf und setzt sich an das ungefähr zwei Meter entfernt stehende Klavier. Die beiden bunten Scheinwerfer erlöschen, und über den Zuschauern wird die Verbindung zum Himmel durch automatische Rollläden gekappt. Im Halbdunkel sitzt Ruth Bieri, die rechte Hand auf dem Knie, die linke auf der Klaviatur, und fixiert die Leinwand.

Heute spielt sie zu King Vidors „The Patsy“, einem Stummfilm von 1928 mit Marion Davies in der Hauptrolle. Dabei geht es um das Mädchen Patsy, das in den jungen Mann Tony verliebt ist. Der hat jedoch nur Augen für Patsys Schwester. Mit dem typischen Stummfilm-Charme wird erzählt, wie Patsy alles in ihrer Macht stehende versucht, Tony für sich zu gewinnen. Der Film fängt an, und Ton und Bild begegnen sich das erste Mal. Je mehr Energie die Bildern übermitteln, desto kraftvoller und turbulenter wird die musikalische Untermalung. So flitzen Ruth Bieris Finger ebenso schnell über die Tasten wie eine gestresste Patsy, die sich für ein auswärtiges Abendessen schickmacht – nur geschickter.

Ruth Bieri ist eine Komponistin und Pianistin aus Zürich. Sie spielt Klavier, seitdem sie zehn Jahre alt ist. Nach ihrem Abitur hat sie klassische Musik studiert. Bereits 1982 spielte sie in der schweizer Band „The Notfalls“. Stummfilme begleitet sie seit dem Ende der achtziger Jahre. „Das war ’89, glaube ich. Da ist jemand auf mich zugekommen und hat mich gefragt, ob ich das machen will. Da war es aber noch mit Vorlage eines Grundthemas.“ Aha, „vollständig“ improvisiert, so wie heute, wurde also noch nicht. Und außerdem, eineinhalb Stunden am Stück zu improvisieren, muss ganz schön schwierig sein. Wie schafft man das? „Meistens habe ich den Blick auf dem Film. Ich schaue auch, dass ich nicht zu schwere Sachen spiele. Ich versuche auf einem Niveau zu spielen, auf dem ich mich sicher fühle, sodass ich nicht zu oft nach unten schauen muss.“ Dabei hat man, je erfahrener man ist, auch ein gewisses Grundrepertoire, aber Ruth Bieri spielt auch Sachen, die sie noch nie vorher gespielt hat. „Wichtig ist auch, ob man eher die konservatien Akkorde spielt, oder eher flächig. Da kann man sich nicht mitten im Film umentscheiden.“ Das merkt man auch beim Zuhören – und Zuschauen. Ob Ruth Bieri einen Streit instrumentell mit nur wenigen, leisen Tönen kommentiert, oder während eines Streits stürmisch in die Tasten haut, sie fällt nie aus dem musikalischen Grundthema heraus, das sie zum Filmbeginn gewählt hat. Und was ist das Besondere am Improvisieren? Ruth Bieri sagt: „Ich hatte während meines Studiums noch keinen Ton ohne Noten gespielt.“ Doch es drängte sie danach. „Für mich bedeutet Improvisieren die direkteste Form von Musik. Das Unmittelbare.“

Ruth Bieri arbeitet zurzeit an zwei Bandprojekten: „Sistars“ und „roses on the roof“. Sie leitet Workshops, komponiert Musik zu Filmen und unterrichtet Klavier. Beim Frauenfilmfestival ist sie dieses Jahr keineswegs das erste Mal, sie gilt eher schon als Stammgast. Und das bleibt hoffentlich auch so!

Zur Homepage von Ruth Bieri: www.ruthbieri.ch

Philipp Orth

Hier ist das Video:

Laura Niebling

Direkt aus New York ist sie gekommen, um beim diesjährigen IFFF dabei sein zu können. Das findet Melissa Silverstein gleich doppelt aufregend, denn es handelt sich um ihren ersten Deutschland-Aufenthalt überhaupt.

Wofür brauchen wir heute ein Frauenfilmfestival?

Es ist wichtig ein Festival zu haben, welches seinen Schwerpunkt auf Regisseurinnen legt, weil diese sich dort austauschen und über ihre Beiträge sprechen können. Wir wissen, dass Frauen gute Filme machen und wollen eine breite Öffentlichkeit darauf aufmerksam machen. Im diesjährigen Line-Up der Filmfestspiele von Cannes z.B., sind von 19 Filmen nur 4 von Regisseurinnen gemacht. Mit diesen Festivals wollen wir das ändern.

Ihr Blog “Women And Hollywood” ist ein wichtiges Sprachrohr für Frauen im Film. Wie entstand die Idee? Warum “Frauen in Hollywood”?

Ich habe mich schon immer für die Popkultur, Hollywood und Filme interessiert. Dann fing ich an über Feminismus zu schreiben und konnte mit dem Thema Frauen in Hollywood eine neue Perspektive eröffnen. Der Begriff “Hollywood” ist sehr umfassend und einprägsam. Es ist deshalb ein guter Titel, um auf dieses Thema aufmerksam zu machen. In Hollywood sind Frauen in entscheidenden Positionen immer noch eine Minderheit, in allen Bereichen: Regisseurinnen machen nur einen Anteil von 7 % aus, 10 % der Drehbuchautoren und 23 % der Produzenten sind Frauen und nur 2 % sind Kamerafrauen.

In der Politik ändert sich langsam die Lage. Zur Zeit werden einige Länder von Frauen regiert. Wie wichtig sind Frauen an der Macht?

Es ist insofern wichtig, als dass es aufzeigt, dass Frauen genauso gut in führenden Positionen sind wie Männer. Unabhängig davon, ob sie konservativ oder liberal sind. Jede Frau ist anders. Wenn mehr Frauen an der Macht sind, werden sie nicht mehr zu Exoten und man hört auf sich zu sehr mit dem Geschlecht zu beschäftigen.

Ich möchte, dass es um die Inhalte geht, nicht um das Geschlecht, “Agenda not Gender”, und propagiere ein fortschrittliches, differenziertes Denken jenseits von Klischees. Angela Merkel ist für meinen Geschmack ein wenig zu konservativ.

Heute erscheint auch der “traditionelle Feminismus” etwas zu konservativ. Muss man immer noch mit den gleichen Mitteln kämpfen wie in den 70ern?

Nein, ich finde es gut, dass sich der Feminismus verändert. Warum sollten junge Frauen heute genau so kämpfen wie die älteren es früher taten. Dinge sollten sich entwickeln, verändern. Wir denken anders als in den 70ern. Ich bin sehr froh über den Fortschritt und den differenzierten Dialog, den wir heute führen.

Für welche Themen kämpft der Feminismus heute?

Gleicher Lohn für gleiche Arbeit, mehr Frauen in Führungspositionen und sexuelle Selbstbestimmung der Frau, also z.B. das Recht auf legale Abtreibung und Schwangerschaftsverhütung. Bei diesem Thema würde ich mir wünschen, dass wir weiter wären, weil sich dort bisher zu wenig verändert hat.

Ein anderes kontroverses Thema ist das Kopftuchtragen bei muslimischen Frauen. Per Gesetz verbieten oder nicht?

Menschen haben nun mal unterschiedliche religiöse Ansichten, aber ich denke, dass eine Frau nie ein Kopftuch tragen sollte. Es kann allerdings auch keine wirkliche Lösung des Problems sein, das Tragen eines Kopftuchs zu verbieten. Wenn es wirklich das ist, was diese Frauen wollen, ändern wir nichts damit. Man kann niemandem helfen, der es nicht selber will.

Auch Männern nicht sich zu emanzipieren? Denn darum geht es auch.

Nein, das müssen Männer selbst tun. Frauen haben es weit gebracht. Was Männer tun müssen, ist sich von alten Mustern der Rollenverteilung zu trennen. Was wir alle brauchen ist Gleichberechtigung. Das Problem ist z.B., dass obwohl oft Männer und Frauen bereits beide arbeiten, Frauen immer noch zusätzlich den Haushalt alleine machen. Männer sollten auch bereit sein mit ihren Kindern zuhause zu bleiben, ohne Angst zu haben dafür als Schwächlinge abgestempelt zu werden.

Was möchten Sie persönlich mit Ihrer Arbeit erreichen?

Mein Ziel ändert sich ständig, abhängig von aktuellen Ereignissen auf der Welt, und von der Resonanz auf meinen Blog. Der Blog ist eine Möglichkeit von Austausch und Kommunikation und kann Diskussionen anregen. Ich habe dort z.B. Interviews mit weiblichen Regisseurinnen veröffentlicht. Jeder soll sehen können, dass es so viele gute Regisseurinnen gibt.

Adam Zapert

Weitere Infos zu Melissa Silverstein auf unserem Blog: Die Alptraum-Fabrik: Melissa Silverstein im Vortrag

Info:
womenandhollywood.com

Bereits zu Beginn des Vortrags macht Silverstein klar: sie ist „pissed off“. Ihr Blog ist ihr Sprachrohr und einzigartig in der Filmbranche, sie schreibt erfolgreich über Hollywood aus einer feministischen „Outsider“-Perspektive. Denn sie ist keine Filmschaffende. Sie hat lange Jahre Erfahrung als Aktivistin und politische und soziale Expertin für Frauenthemen. Zwar setzte sie in der Vergangenheit ihr Wissen auch in der Filmbranche ein (unter anderem für die Marketingkampagne des Films „The Hours“; außerdem initiierte sie das Athena-Festival), aber seit dem Erfolg ihres Blogs übt sie vor allem die öffentliche, journalistische Manöverkritik von links. „Wenn nicht jemand böse auf dich ist, machst du etwas falsch“, sagt sie.

Mit ihrem Blog hat sie ein neues Medium für ein Problem gefunden, mit dem sie sich schon ihr ganzes Leben beschäftigt. Aus Erfahrungsberichten, Rezensionen und Statistiken weiß sie: Sexismus wird in Hollywood totgeschwiegen, und „Du fühlst ihn nicht, bis er dich betrifft“. Seit 1988 arbeiten in wichtigen Positionen auch Frauen, auch wenn Silverstein die prinzipiell gute Nachricht mit einem lakonischen „alle allerdings ziemlich weiß“ relativiert. Viele sind es allerdings nicht und das hat einen einfachen Grund. „Früher machten die Studios Filme, heute machen sie Geld“, sagt sie. Und dieser Ökonomie fällt jede Gleichberechtigung zum Opfer. Der unabhängigen MPAA (Moving Picture Association of America) steht ein Mann vor, der von Filmen nichts versteht. Im Übrigen beschäftigt sich die Vereinigung nur noch mit dem Problem der Piraterie. Die Diskriminierung, so Silverstein, hört nur da auf, wo Frauen in Chefpositionen sind und das ist nur in einem der sechs großen Hollywood-Studios der Fall. Prinzipiell, sagt sie, gibt es drei Probleme, die alle mit einem sehr männlichen Blick auf das Business zusammenhängen.

Problem Eins: Frauen können bei Filmen mit großem Budget nicht Regie führen

Eigentlich liegt der Diskriminierung eine klare Kausalität zu Grunde: Frauen sind erheblich toleranter. Sie verpflichten gleichberechtigt Männer und Frauen für anstehende Produktionen. Es gibt nur eben zu wenige in Führungspositionen. So hat sich im männergemachten Hollywood die “Keine-Blockbusterprojekte-für-Frauen-Regel” etabliert und die Statistiken zeigen: sie ist fast unumstößlich. Aber nicht nur Regie führen sollten Frauen scheinbar nicht. Im Schnitt sind in den letzten Jahren unter 10 Prozent der Regisseure weiblich gewesen, weit unter 15 Prozent schrieben Drehbücher, (immerhin) bis zu 25 Prozent waren als Produzentinnen tätig und im kaum fühlbaren Bereich unterhalb der 5 Prozent-Grenze bewegte sich der Anteil der Licht- und Kamerafrauen.

Problem Zwei: Frauen gehen nicht ins Kino

Auch im Bezug auf das Anschauen von Filmen sind Frauen erheblich toleranter: sie sehen viele Filme, die die Filmbranche für Männer konzipiert. Und die Filmbranche konzipiert überwiegend Filme für Männer. Warum? Die Antwort klingt fast wie ein Scherz: nach Ansicht der Filmindustrie gehen Frauen nicht ins Kino und sind deshalb kein Markt. Statistiken über weibliche Zuschauerquoten beweisen das Gegenteil, die Annahme steht außerdem der gängigen Marktvorstellung konträr gegenüber, dass Frauen 85% der Kaufentscheidungen treffen. Es ist keine Polemik, wenn man anmerkt, dass beides seit Jahrzehnten gekonnt ignoriert wird. Erst seit dem Erfolg von „Sex & the City“ und den „Twilight“-Filmen beginnt diese in Stein gemeißelte Vorstellung etwas aufzuweichen. Noch nicht ganz verdaut ist die Erkenntnis, dass für Männer konzipierte Filme ohne das (statistische mindestens zur Hälfte) weibliche Publikum nicht funktionieren, während für Frauen konzipierte Filme wie „Sex & the City“ auch ohne nennenswerten Männeranteil im Publikum zu Kassenschlagern werden.

Problem Drei: Geschichten über Frauen sind weniger interessant

Frauen können sich offensichtlich in Männer hineinversetzen, Männer in Frauen nicht. Selbst wenn unter den erfolgreichsten Filmen des Jahres 2010 drei Filme mit Protagonistinnen platziert sind – darunter sogar Platz zwei für „Alice in Wonderland“, sind erfolgreiche Filme über Frauen „flukes“, also Glückstreffer. Diese Annahme lässt sich banal herleiten: Da (nun ja erwiesenermaßen!) keine Frauen ins Kino gehen und angenommen wird, dass Männer keine Filme über Frauen sehen möchten, müssen die Erfolge des „flukes“ in der Hollywood-Logik auf reinem Zufall basieren. Immerhin hier ist den deprimierenden Erkenntnissen aber eine Grenze gesetzt. Die Diskussion im Anschluss an den Vortrag macht deutlich, dass es in dieser Frage doch spürbare landesspezifische Unterschiede gibt. Außerdem gibt es eine Einschränkung: „you add more action, you get more men“ – ob Geschichten über Frauen erfolgreich sind, ist heute also auch eine Genrefrage.

Im Anschluss an den Vortrag stand Melissa Silverstein uns für ein kurzes Video-Interview (in Englisch) zur Verfügung, in dem sie ihre Arbeit und die wichtigsten Probleme in Hollywood beschreibt. Außerdem erzählt sie, was sie vom Filmfestival hält und warum sie Dortmund mag:

Laura Niebling

Info:
womenandhollywood.com

Ihre Reise beginnt im Auto. Regen, Nebel, verschwommene Sicht, graue Rauchfahnen. Aber als der Führer der für uns namenlosen Frau aus dem Auto gezerrt und getötet wird, verliert sie vollends die Orientierung. Es folgt eine wilde Flucht querfeldein. Auch das Mädchen, mit dem sie anfangs reist, verliert sie auf mysteriöse Weise. In einem Flüchtlingslager trifft sie dann auf einen jungen Mann, der sich auf einen Handel mit ihr einlässt und sie von nun an begleitet.

Der Aufruf zum Hinsehen, im Filmtitel implementiert, ist durchweg Thema. Gesprochen wird kaum – zu fragil ist die Beziehung der beiden. Sie tragen nicht nur greifbares Gepäck mit sich, auch der Krieg hat ihnen eine zusätzliche Last aufgebürdet. In ihren Blicken und Gesten schwingt immer etwas mit, das man nicht fassen kann. Vereinzelt wirken die zwei Reisenden ausgelassen und fröhlich, etwa wenn sie auf einem alten Fahrrad ein Stück Weg fahren, oder der Mann der Frau einen bunten Rock schenkt. Aber das Band zwischen ihnen bleibt lose. Auch die Stärke der Frau bricht an einigen Stellen auf und zeigt ihre Verletzlichkeit, die sie ansonsten mit ihrer Willenskraft, nachhause zu kommen, überspielt.

Gegen Ende erscheint das Mädchen aus den Anfangsszenen wieder. Das kurze Gespräch mit der Frau zeigt aber, dass das Mädchen nicht real existiert.  Dann erreicht die Frau ihr Ziel: ihr Zuhause. Der Mann verschwindet. Am Ende nur die Frage: „Who’s there?“

How much do you see yourself in the women?

I see a good deal of myself in the woman. In writing the film, I tried to imagine how I would respond in her circumstances and I built the character from there. I wanted her behavior to feel personal and specific, brave but not heroic in any classical sense. She is also Anamaria’s creation, as good actors bring tremendous depth to characters from their own artistry and experience, so I see Anamaria in the woman as well as myself.

The film is about not giving up, about a woman that forces herself
not to give up. Where is the necessity of being guided by a man? Does „not  giving up“ include „accepting help“?

In creating this story, I didn’t think so much about the woman needing to be guided by a man. In fact, it would have been very interesting if Tom’s character was a woman! I’m more interested in the idea of both of them being outsiders and characters who are forced to carry things as they journey. I’m also interested in the idea that in the world of the film, even characters who long to connect are ultimately unable to, because the fabric for human connection has been destroyed by war. Last but not least, I’m interested in the idea of three souls in transit, the woman, the man, and the child, moving towards darkness and light, in search of a spiritual home. In this last respect, gender is irrelevant.

You describe the child as „real child being remembered, a ghost, a
spiritual witness, or the woman’s alter ego“. I thought this was a
great idea, but it wasn’t clear to me until the end. So: why skipping that part in the middle of the film?

I wanted the child to be an ambiguous presence throughout the film and I intentionally left her role open for interpretation. She seems very real in beginning, less real in the middle, and least real in the end. The manner in which the woman loses her in the town is strange and surreal, and I wanted this to be the first indication that all is not as it appears. Throughout the film, I wanted to create a sense of ambiguity of when things are real, when they are in the woman’s mind, either as memory, perception or projection. The child is the clearest example of this, but the entire film can be read as a map of the woman’s subconscious.

The destination of the women’s journey is her home, where, in the
end, nobody awaits her. Is this (where hope is fulfilled) the first point, where she realizes the damages in her existence? Or: Is unfulfilled hope better, because it covers the wounds?

This is a great question and a difficult one to answer! With this film, I wanted to ask a searching question about the existence of a god or a divine plan or redemption, and I felt the only honest answer to this question was „I don’t know.“ The woman’s journey ends, not with closure or redemption, but with a question: „Who’s there?“ For me, this suggests that the search for a spiritual home never ends, and that there is no conclusive answer to whether we are alone in this world or not. I did not want to make the journey seem hopeless so much as infinite, with home as a perpetual goal instead of a material destination. [...] I wanted the characters to move towards light and then have the light interrupted by darkness, and to be mired in darkness that is suddenly illuminated by light. Schematically, I structured the film like a figure eight more than an incline. This play of darkness and light is how I interpret the mystical journey and it also reflects how real life most often feels to me.

Do you think „Look, Stranger“ is a typical women’s film? Emotional, tragic, but also calm and soft?

I’m not sure if the film is typically female, but I think there are several things about it that you don’t often find in films made by men, such as a strong female character countered by a soft, vulnerable male character. The sexual violence of the film’s world is implied throughout but never shown explicitly on the screen. The one act of traditional heroism, when the woman trades the bag with the soldier for the man’s life, is shown in a very matter-of-fact, anticlimactic fashion, which to me is a typically female approach to heroic acts.

Annika Willinger

Ursprünglich wollte die junge Regisseurin in Koundi einen eher politischen Kurzfilm darüber drehen, wie große Firmen illegal die Wälder abholzen. Nach der ersten Sichtung ihres Drehortes war sie so positiv von dem Leben in diesem Dorf berührt, dass sie ihren ursprünglichen Plan verwarf und stattdessen beschloss, einen Dokumentarfilm über dieses Dorf zu drehen. Obwohl sie selbst in Kamerun lebt, ist ihr so viel Solidarität, Gemeinsinn und Freundlichkeit noch nie zuvor begegnet. Mit leuchtenden Augen erzählt sie davon, wie gut organisiert das Dorf ist, dass alle dort mithelfen, nach Lösungen suchen, etwas bewegen und verändern wollen. Sie gestalten aktiv ihre Zukunft und fügen sich nicht einfach ihrem Schicksal.

Drei Wochen dauerten die Dreharbeiten. Drei Wochen, in denen Astrid ein Teil dieser Gemeinschaft war. Die Dreharbeiten waren nicht immer einfach, berichtet sie. Manche Männer im Dorf waren es nicht gewohnt, sich einer Frau unterzuordnen. Es kam immer wieder zu Konfrontationen, aber am Ende war sie immer der Boss. Noch nie mochte sie es, von jemandem abhängig zu sein und schon immer wollte sie etwas bewegen. Ihre Geschichte klingt wie ein modernes Märchen.

Ariane Astrid Atodji wurde 1980 in Nguelemendouga geboren und wuchs in Kamerun in bescheidenen Verhältnissen auf. Sie nahm an verschiedenen Film-Workshops des Goethe-Instituts in Kamerun teil und studierte an der LN International Filmschool in Yaoundé.  In einem afrikanischen Film-Wettbewerb zählte sie zu den 15 Ausgewählten, und das Goethe-Institut in Kamerun half ihr finanziell bei der Umsetzung ihres Films. Es folgten Reisen zu Filmfestivals nach Deutschland, Frankreich und Dubai.

Als Kind wurde sie oft von ihrem Vater gefragt, was sie später machen wolle. Die Antwort lautete: Reisen, die Welt sehen. Für die junge Regisseurin geht gerade ein Traum in Erfüllung. „It feels like heaven falling down on me“, sagt sie. Sie wollte ein anderes Bild von Afrika zeigen, ein Afrika jenseits von Armut, Krieg und Trostlosigkeit. Mit ihrem Dokumentarfilm ist ihr genau das gelungen.

Adam Zapert

Die 14-jährige Rekha ist im dritten Monat schwanger und darf den Mann, den sie liebt, nicht heiraten, weil er einer anderen Kaste angehört. So nennt man in Indien und auch Ländern wie Bali, Sri Lanka und Nepal die gesellschaftlichen Gruppen, die sich durch verschiedene Merkmale wie Beruf oder Heirat auszeichnen. Die junge Rekha gehört zu den „Unberührbaren“, der sozial schwächsten Gruppe im Kastensystem, während der junge Vater ihres Kindes einer höheren Kaste angehört. Das Mädchen wendet sich hilfesuchend an Sampat Pal – von ihrem Mut und ihrer Stärke haben bereits viele Menschen im nordindischen Bundesstaat Uttah Pradesh gehört. Sampat bringt das eingeschüchterte Mädchen dazu, sich zu öffnen. Sie ist der Meinung, dass eine Heirat aus Liebe „etwas Gutes“ ist und möchte, dass Rehka sich zur Wehr setzt.

Mit ihren kraftvollen Worten, die Sampat ohne Scheu in den Mund nimmt, will sie ihrer Wut auf die Männer Ausdruck verleihen. Sie hat ein Ziel vor Augen: Sie will etwas bewegen und dazu beitragen, die Rechte der Frauen zu stärken. Die Frauen und Mädchen, die zu ihr flüchten, werden daheim gedemütigt, geschlagen, vergewaltigt oder zwangsverheiratet. Sampat selbst kennt die Gefühle und Ängste der Frauen nur zu gut. Sie selbst wurde in jungen Jahren in eine Ehe gedrängt, erlebte viel Leid und Unterdrückung. Mit einer großen Portion Mut und Selbstbewusstsein erkämpfte sie sich viel Respekt und hat in ihrer Gegend so viel Sagen wie die hiesige Polizei. Das bringt sie auch gerne zum Ausdruck, wenn sie die Männer aufsucht, um sie mit ihren Missetaten zu konfrontieren.

Im Film sagt Sampat, Frauen in Indien hätten nur ihre Tränen, um sich den Männern so mitzuteilen, wie sie sich wirklich fühlen. Tränen zeigt Longinotto einige Male vor der Kamera. Die junge Renu weint, weil sie keinen Sinn mehr in ihrem Leben sieht. Sie ist so verzweifelt, dass sie droht sich umzubringen, wenn sie ihre große Liebe nicht heiraten kann. Der junge Mann, um den es geht, hat es allerdings nicht leicht. Er stammt aus einer anderen Kaste, in der eine Heirat mit Renu die Konsequenz für den Jungen hätte, von der Familie verstoßen zu werden. Das Mädchen muss sich entscheiden. Sie sieht keinen anderen Ausweg, als sich das Leben zu nehmen. Da entschließt sich Sampat dazu, sie in ihre „Pink Gang“ aufzunehmen. Die Pink Gang ist eine Gruppe von Frauen, die keine Lust mehr auf die Schikanen ihrer Männer haben. Sie alle tragen knallpinke Saris – daher der Name.

So endet der Film völlig offen, weil es nur ein winzigkleines Stück ist, das Sampat mit ihrem Mut bewegen kann. Die junge Renu jedoch kann nun endlich wieder lächeln, da sie von nun an bei Sampat lebt und dort das bekommt, was ihr nie zuteil wurde: Liebe und Geborgenheit. Sampat Pal ist eine Rarität in der indischen Welt, in der sich die Mehrheit der Frauen für zu schwach hält, um das Wort gegen die Männer zu erheben, die sie quälen. Kim Longinotto bewegt die Zuschauer mit der knallharten Wahrheit und mit einem ganz außergewöhnlichen Fall von Zivilcourage, wie man sie selten erlebt.

Vivian Schareina

Vite Wortmann, Kulturmanagerin in Deutschland und Litauen, schlüpft in die Rolle der Stricklehrerin. Ich bekomme orangene Wolle und Stricknadeln in die Hand gedrückt, eine ausführliche Einführung, und nach gefühlten 30 Minuten hab ich das Prinzip verstanden. Warum stricken? Vite erklärt: „Im Winter wollte ich abends etwas Sinnvolleres machen als am Computer zu sitzen. Ich wollte dann ein Buch lesen, aber wenn ich richtig müde bin, weiß ich nicht, auf welcher Sprache ich lesen will. Deutsch ist manchmal anstrengend, da muss ich mich wieder ein bisschen konzentrieren, und litauische Bücher hatte ich keine vorrätig gehabt, die ich gerade lesen wollte. Da bin ich in eine Buchhandlung gegangen und hab Wolle und Stricknadeln gekauft, wirklich ahnungslos. Ich hatte ja 20 Jahre nicht mehr gestrickt, und eigentlich hab ich das niemals freiwillig gemacht.“ Und dennoch fand sie Gefallen daran.

Ich nicke und lasse das Bild von etwa zehn strickenden Menschen auf mich wirken. Die grauen Betonplatten wurden mit bunten Orientteppichen bestückt, durch Blumen, Tische und Stühle fühlt man sich heimelig. Ich höre sphärische Musik, sehe zeichnende Menschen und irgendwie denke ich, dass die Zeit hier langsamer vergeht. „Normalerweise strickt man allein und in einem privaten Raum“, sagt Vite. „Auf die Straße zu gehen, auf öffentlichem Raum mit anderen Menschen zu stricken, finde ich sehr kommunikativ. In Dortmund fehlen mir oft solche verrückten Sachen. Solche Aktionen auf öffentlichem Raum, die nicht so konventionell sind. Ich dachte, da müsste man etwas tun. Passt ja auch zum Motto des Festivals.“

Die Strickperformance auf der Straße findet aber nicht nur der Kommunikation wegen statt. Vite erklärt weiter: „Ich finde es immer schade, wenn etwas hinter verschlossenen Türen stattfindet, wo nur Kunstliebhaber hingehen und dann macht man irgendwann Projekte für die eigenen Freunde.“ Um das zu umgehen, soll die Kunst raus auf die Straße, mitten unter die Menschen. Die interessanten Plätze in Dortmund sind zu versteckt, man sieht nur eine langweilige Einkaufsstadt ohne schöne Architektur. „Der erste Eindruck ist immer so erschlagend“, sagt Vite.

Ich betrachte mein schmales, orangefarbenes Band. Ein bisschen stolz bin ich schon, auch wenn noch niemand genau weiß, was letztendlich aus den Maschenwerken entstehen soll. „Wir geben nicht vor, was wir stricken. Wir unterhalten uns darüber und schauen während des Prozesses, was für Ideen wir entwickeln.“ Ein paar wurden schon gesammelt. Eine Parkuhr einstricken, die Klinke einer Kinotür, eine Überwachungskamera. Morgen soll dann entschieden werden, was das Resultat sein soll.

Weitergestrickt wird am Samstag ab 12 Uhr. Da heute schon Ressourcenknappheit herrschte, sollten Strickwütige Wolle und Nadeln mitbringen.

Das gesamte Programm der Oase in Beton kann man sich hier herunterladen.

Annika Willinger

Alles muss weiterlaufen wie bisher, man hat seinen Job als Versorger und muss sich um die Kinder kümmern oder will seinen Eltern nicht noch mehr zur Last fallen. Man bleibt stumm. So bleiben die Momente, in denen man untereinander Erinnerungen an den toten Bruder teilen kann, auf der Strecke. Hanna Klaas interviewt ihre Geschwister, ihre inzwischen geschiedenen Eltern und den neuen Ehemann ihrer Mutter. Diese berichten über ihre Versuche, auf eigene Weise damit fertigzuwerden, wenn man jemanden verliert, der einem so nahe stand.

Die schmerzliche Geschichte des Selbstmordes und der Versuch des Umgangs damit wird nochmals von allen in der Familie durchlebt – diesmal jedoch öffentlich. Der Film schafft durch die Gespräche und vorgetragene Gedichte und Kassettenaufnahmen von Ole das Bild eines Bruders und Sohnes, der einerseits lebenslustig ist, andererseits aber tiefe Zweifel an dem, was ihn umgibt, hat – und der die einzige Möglichkeit, frei zu sein, im Suizid sieht. Hier wird sehr nahegehend, weil persönlich, aufgeworfen, dass der Selbstmord einer nahestehenden Person immer etwas Negatives ist, aber nicht nur Negatives nach sich ziehen muss.

„Ole“ läuft am 16.04.2011 um 16:30 im Schauburg Lichtspiel & Kunsttheater in Dortmund.

Jan Philipp Orth

Was hat „Word Is Out“ an sich, dass Sie ausgerechnet diesen Film im Programm haben wollten?

In Dortmund ist es ja so, dass wir nicht ausschließlich aktuelle Filme zeigen, sondern immer eine thematische Werkschau über mehrere Jahre. Deswegen ist „Word Is Out“, auch wenn er schon sehr alt ist, sehr wichtig für das Programm. Man hat zwar fast durchgängig sogenannte „talking heads“, aber die Menschen sind einfach gut ins Bild gesetzt. Vor Allem ist wichtig, was sie zu sagen haben, und es ist ein umfassendes Zeitdokument.

Die LGBT- und Queer-Geschichte ist nicht so umfassend nachgezeichnet, es gibt einfach zu wenig Filme im kollektiven Gedächtnis, die sie dokumentiert und lebendig hält. Es gibt auch kaum Archive, die sich auf Queer-Filme spezialisiert haben. Das „Outfest Legacy Project“ in Los Angeles, wo „Word Is Out“ ja herstammt, ist ein eben solches Archiv und sie haben den Film  jetzt restauriert. Es ist wichtig, dass es solche Institutionen gibt, die Partei für diese Filme ergreift und sie nicht dem Verfall überlässt.

„Word Is Out“ hatte 2008 sein 30-jähriges Jubiläum. Würde man einen solchen Film ein zweites Mal drehen, würden Ihrer Meinung nach noch dieselben Probleme behandelt werden?

Ich denke, natürlich hat sich die Situation, die für die USA im Film beschrieben wird, dort verändert. Trotzdem gibt es dort und natürlich überall auf der Welt weiterhin noch viele, auch unterschiedliche Kämpfe auszutragen.

Heute sind die Themen in Deutschland zum Beispiel Kinder, Adoptionsrechte und die Ehe, queere Aktivist_innen dagegen  kämpfen gleichzeitig darum, feste Kategorien und Zuschreibungen, auch über Geschlecht und Begehren, zu zerschlagen. die ja auch verletzend und ausschließend sind. Staatliche Institutionen wie die Ehe wird von Ihnen selbstverständlich abgelehnt. Wie wir in 20 Jahren von der heuten Situation erzählen werden, das finde ich spannend.

Was jetzt gerade im Moment auf Queer- und LGBT-Festivals auch über Filme in die Sichtbarkeit gerückt wird, ist das Thema Intersexualität. Es ist wichtig, zu zeigen, was für eine Gewalt Menschen immer noch angetan wird, wenn sie schon im Kindesalter einem der beiden Geschlechter zugeordnet werden, was nicht nur eine starke Einschränkung der Freiheit und der Persönlichkeitsentwicklung ist, sondern tatsächlich physische wie psychische Gewalt, die in Deutschland in Krankenhäusern geschieht.  Wenn man sich auf der Website des Vereins „Intersexuelle Menschen e.V.“ bewegt, dann wird man auf sehr viel Ungerechtigkeit stoßen, die aufhören muss.

Kommen Queer-Filme gut an bei den Festival-Besuchern?

Ja, natürlich. Ich kann mir vorstellen, dass sich  beispielsweise Leute die Filme angucken, die die Geschichte der eigenen Bewegung zurückverfolgen wollen und für die das damit eine Art Film ist, in dem sie ein Stück davon finden. Für junge Lesben, junge Schwule oder einfach junge Menschen, die sich gegen jede Art von Kategorisierung wehren wollen, bieten die Filme eine Möglichkeit, sich selbst oder „role models“ wiederzufinden. Ich hoffe auch, wenn Leute einen Film wie ‘Word is Out’ schauen, die sich so gar nicht für das Thema interessieren, dass die durch den Film die politische Relevanz sehen oder überhaupt sensibilisiert werden. Vielleicht tun sie es ab als etwas, das „mal gewesen“ ist, aber vielleicht finden sie auch eine Antenne für das Thema und nehmen es in ihren Erfahrungsschatz mit auf.

Wieso gibt es dieses Jahr keine Sparte für Queer-Filme?

Die Festivalstandorte in Köln und Dortmund sind jeweils unterschiedlich ausgerichtet. In Köln gibt es die aktuelle Werkschau und eben die Queer-Film-Reihe „begehrt!“ und in Dortmund nicht, was aber nicht heißt, dass es da gar keine Queer-Filme gibt. Sie sind in Dortmund einfach Teil des thematischen Programms. Es ist gut, dass das Festival die Form so unterschiedlich mit den beiden Standorten behalten und gewählt hat. 2012 wird es in Köln dann wieder die eigene Reihe für das Queer-Programm geben.

Christine Donath

Menschen in den betroffenen Gebieten das zu ermöglichen, was in den Industrienationen als selbstverständlich gilt – Zugang zu sauberem Wasser –, dieser Mission hat sich der Hamburger Verein „Viva con Agua de Sankt Pauli“ (VcA) verschrieben. Des Weiteren setzt sich VcA für den Umweltschutz, insbesondere Gewässerschutz und die Schärfung des Bewusstseins für das globale Thema Wasser ein. Via Fundraising investiert VcA in Trinkwasser- und Sanitärprojekte in Entwicklungsländern. Die Spendengelder werden unter anderem durch Benefizveranstaltungen generiert.

Dass es eigentlich an Perversion grenzt, dass wir in unseren wohlversorgten Industriestaaten Geld für Wasser in Plastikflaschen ausgeben, anstatt es erheblich ressourcen-schonender aus dem Hahn zu trinken, darauf machte im Rahmen des IFFF unter anderem der Film „The Age of Stupid“ aufmerksam. Die breite Masse scheint durch Werbung und Co. so konditioniert, dass sie Wasser aus der Flasche als qualitativ hochwertiger erachtet.
Auch VcA bietet Wasser in Flaschen an und wird damit der Vorliebe der Konsumenten gerecht. Doch: VcA investiert mindestens 60 Prozent der Gewinne durch das Flaschenwasser für Projekte in Entwicklungsländern. VcA kooperiert mit dem diesjährigen IFFF: Das Wasser wird für das Festival kostenlos zur Verfügung gestellt, die Einnahmen aus dem gesammelten Pfand fließen in Hilfsprojekte.

Joshua Salewski

Info:
www.vivaconagua.org

Auf der Suche nach Zuwendung und Nähe lernt Maria den wesentlich jüngeren Pietro kennen. Es bahnt sich eine Affäre an, die jedoch ein Ende findet, als Maria schwanger wird. Pietro ist bereits Vater und will kein weiteres Kind. Und auch Maria selbst sieht sich eigentlich überhaupt nicht in einer Mutterrolle, wollen doch ihre momentanen Lebensumstände so gar nicht zu einem Kind passen. Trotz erheblicher Zweifel entscheidet sie sich für das Kind. Im 6. Schwangerschaftsmonat schließlich erleidet Maria dann eine Frühgeburt – ob das Kind überlebt, ist zunächst unklar. Eine Zeit des  Bangens und Hoffens liegt vor Maria und niemand ist da, der ihr hilft. Ein durch weiße Vorhänge abgetrennter Raum, in dem sich der Brutkasten befindet, ist von nun an Marias ständige Umgebung. Doch das lediglich dank des Brutkastens atmende Neugeborene erfüllt die Mutter zunehmend und Stück für Stück mit einem neuen Lebensgefühl, das mit ihrem vorherigen nichts mehr gemeinsam hat.

Dabei weisen Schlüsselszenen innerhalb des Films auf das bestehende Werte- und Normensystem Italiens hin: Maria ist schockiert, als eine Frau beim Amt ihr ein Anmeldeformular für “illegitime” Kinder reicht. Die “nascita illegittima”, zu deutsch: “nicht legitimierte Geburt”, ist in Italien gängige Bezeichnung für uneheliche Kinder. “Eine Lebensweise wie die von Maria ist in Italien immer noch nicht akzeptiert”, sagt Antonia Truppo, Nebendarstellerin im Film, und beklagt, dass der reelle Alltag der italienischen Frauen sich immer noch nicht in der Gesellschaft manifestiert habe. Antonia Truppo ist stolz, Teil dieses Filmes zu sein – in der Hoffnung, dass er durch das Festival weitere Aufmerksamkeit in der Gesellschaft gewinnt: ”In Italien gilt für Frauen eine Eheschließung, zusammen mit dem Hausfrauen- und Mutterdasein als das höchste Gut. Der Film zeigt aber, das es auch anders richtig sein kann!”

Festivalleiterin Silke Johanna Räbiger begeistert an diesem Film aber auch die Thematik: bewegend und wichtig, weil sie uns auf elementare Fragestellungen des Lebens zurückwerfe: “Es geht um Leben und Sterben. Und das sind mitunter die stärksten Konflikte, die es gibt!” Diese künstlerisch zu inszenieren und zu verdichten, sei dem Film auf höchstem Niveau gelungen.

Nadine Esch

Ein Filmtitel, der als heißer Kandidat für die offizielle Bezeichnung unseres aktuellen Zeitalters gehandelt werden muss. „Informationszeitalter“, „Post-Post-Moderne“, „Neuzeit“, „Zeitalter der Demokratie“… Klappe zu, du verschleiernder Euphemismus! „The Age of Stupid“, so bringt man es auf den Punkt.

Die meisten von uns erinnern sich: „Dumm ist der, der Dummes tut“, bekam Tom Hanks in seiner Rolle als Forrest Gump von seiner Mutter verklickert. Forrest Gump ist zwar von Geburt an geistig minderbemittelt, aber er tut in seinem Leben so erschreckend wenig Dummes, dass er schwerlich als dumm gelten kann. Wenn aber ein durchschnittlicher Mensch – nehmen wir als Beispiel einen Politiker –, der nach der Theorie einen IQ von 100 hat, nur Dummes tut, obwohl er oder sie es besser wissen sollte (und es eigentlich auch besser weiß), dann darf man ihn herzlich beglückwünschen! „Sie sind dumm. Aber keine Sorge, Sie befinden sich in bester Gesellschaft. Genießen Sie das Zeitalter der Dummheit.”

Zeig mir, was du zerstörst, und ich sage dir, was du bist: Dumm!

In ihrem mehrfach ausgezeichneten Werk stellt die britische Regisseurin Franny Armstrong unverblümt unsere Unfähigkeit zur Schau, unseren Lebensraum zu erhalten. „Warum tun wir nichts?“, fragt uns der Untertitel in gefühlt panischem Timbre. Die Antwort, man ahnt es schon: Profitgier und an Genialität grenzender Selbstbetrug via Ausblendung unbestreitbarer Fakten. Fakt ist, dass unsere Welt dem Untergang geweiht ist, wenn wir weiterhin unsere Ressourcen verschwenden, maßlos CO2 in den Äther feuern und unserem dekadenten Konsum frönen – der, wie könnte es anders sein, vornehmlich auf Kosten der Ärmsten der Armen geht.

Darsteller Pete Postlethwaite mimt einen alten Mann, der im Jahr 2055 in der Arktis alleine im Archiv der Menschheit sitzt. Anhand eines interaktiven Bildschirms zeigt er dem Zuschauer sechs authentische Geschichten aus den Jahren 1950 bis 2008, welche die Zerstörung unseres Lebensraums dokumentieren.

Dass das Thema Umweltschutz DAS Thema der Menschheit im 21. Jahrhundert ist (beziehungsweise sein sollte), steht außer Frage. Aber es liegt in der Natur des freiheitsliebenden Menschen, dass er in einem Anfall von Reaktanz das Weite sucht, wenn ihm mit erhobenem Zeigefinger eine Predigt gehalten wird. Franny Armstrong schafft es, das Moralapostel-Fettnäpfchen zu umschiffen. Es werden Meinungen geäußert, aber keine aufgedrängt. Die aus den USA, Frankreich, Indien, Irak, Nigeria und Großbritannien stammenden Protagonisten gewähren Einblicke in ihr Leben. Ihre Lebensentwürfe, Ideale und Hoffnungen sind unterschiedlicher Natur. Doch die Zerstörung der Natur und die daraus resultierenden Probleme, Ängste, aber auch Chancen sind ihr gemeinsamer Nenner.

Ein Kaleidoskop der Gefühle

Man sieht, wie Shell in Nigeria das Trinkwasser mit Öl kontaminiert, sich aber einen feuchten Kehricht darum schert. Die interviewten Nigerianer mutmaßen gar, dass einige ihrer Bekannten und Verwandten im Auftrag der Regierung oder Shell erschossen bzw. verbrannt wurden, da diese es nicht einsahen, ihren Lebensraum zu verlassen. In Momenten wie diesen beschleicht einen als Zuschauer das Gefühl, man sei im falschen Film. Ist man aber nicht. Willkommen im Panoptikum der Realität. In „The Age of Stupid“ existieren Trauer, Wut, Freude, Hoffnung, Zynismus, Humor und Unfassbares so gleichberechtigt nebeneinander, dass meine Emotionen über weite Teile des Films einem zerbrochenen Kaleidoskop gleichen. Ich lache bei Absurdem, obwohl es nicht witzig ist. Es könnte witzig sein, wenn es nicht real wäre. Ich lache aus Verzweiflung, manchmal auch aus der Unfähigkeit heraus, das Gesehene wirklich als knallharte Realität zu akzeptieren. Vielleicht lache ich auch, weil ich selbst längst Teil des Gesamten bin, des Zeitalters der Dummheit.

Joshua Salewski

Weitere Infos zur Filmreihe „Age of Stupid“ auf unserem Blog: Warum tun wir nichts?

Info:
www.spannerfilms.net

Frau Wagner, was verschlägt das Animationsfestival „Tricky Women“ von Wien nach Dortmund?
Unser Festival gibt es seit zehn Jahren. Wir haben quasi unsere Geburtstagsfeier verlängert und sind mit einigen Filmen „on Tour“ gegangen. Wir freuen uns sehr, dass wir hier sein können. Auch das Motto hat uns sehr gereizt, weil es ein starkes politisches Element enthält. Thematisiert werden zum Beispiel Parallelgesellschaften, Kriegsschauplätze – und Revolutionäre.

Welche Filme haben Sie uns mitgebracht?
Wir möchten dem Publikum zeigen, wie bunt und vielfältig Animation ist. Deshalb haben wir einen Querschnitt der Preisträger von 2007 bis 2011 ausgewählt, darunter zum Beispiel Who Dares, eine finnische Produktion von Sanni Lahtinen. Wir haben darauf geachtet, verschiedene Animationstechniken zu mischen.

Was ist das Besondere am Genre Animationsfilm?
Es gibt eine starke Verschränkung zur bildenden Kunst. Die schöne Entwicklung ist, dass Animationen mittlerweile Raum greifen. In Museen und Ausstellungen werden häufig Animationen installiert. Der Trickfilm hat eine ungeheure Bandbreite – von Werbung bis hin zu animierten Spielfilmproduktionen.

Gibt es Themen, die man mit einem Animationsfilm besser darstellen kann?
Jeder Film ist anders, da gibt es zahlreiche Herangehensweisen. Die besondere Herausforderung ist, in kürzester Zeit mit der Kraft der Bilder eine Geschichte zu erzählen. Ein Beispiel ist Don‘t let it all Unravel, der auch auf dem IFFF gezeigt wird. Es wird kein einziges Wort gesprochen, dennoch wird das Problem, der Klimawandel, in knapp zwei Minuten auf den Punkt gebracht – ohne erhobenen Zeigefinger.

Unterscheiden sich Trickfilme von Männern von weiblichen Animationen?
Die Unterschiede sind hauptsächlich inhaltlich. Die Frauen-Themen sprechen mich persönlich einfach mehr an.

Warum braucht man überhaupt ein Festival für Animationen von Frauen?
Wir wollten mit „Tricky Women“ ein Experiment wagen und den Fokus auf ein besonderes Genre verlagern. Ein Frauenfilmfestival für Spielfilme und Dokus gab es schon in Österreich. Aber wir wollten zeigen, was für ein tolles Medium speziell der Trickfilm ist. Es gibt in diesem Bereich sehr viele dezidiert feministische Arbeiten, beispielsweise von Künstlerinnen wie Joanna Quinn und Vera Neubauer. Diese feministischen Inhalte wünschen wir uns stärker in Frauenfilmen.

Was möchten Sie mit Ihrer Arbeit erreichen?
Österreich ist ein kleines Filmproduktionsland. Während es in Deutschland Trickfimfestivals gibt, war das bei uns vor „Tricky Women“ nicht der Fall. Wir möchten die Frauen sichtbar machen, die solche Filme produzieren. Dass ihr Potenzial wahrgenommen wird, dass sie bessere Arbeitsbedingungen und ein besseres Standing bekommen – und natürlich auch mit ihrer Arbeit Geld verdienen können.

Wie geht es mit „Tricky Women“ weiter?
Natürlich möchten wir auch weiterhin über die Grenzen Österreichs auf uns aufmerksam machen und die Animation einem breiten Publikum zugänglich machen, um mehr Frauen zu begeistern und den Nachwuchs zu fördern. Zum 10. Geburtstag haben wir auch eine Publikation herausgebracht, „Tricky Women. AnimationsfilmKunst von Frauen“. Darin schauen wir hinter die Kulissen der Produktion und stellen Pionierinnen des Trickfilms vor. Man muss sich aber künftig Gedanken darüber machen, in welcher Form man Animationsfilme zugänglich macht. In Zeiten des Internets hat es der Kurzfilm schwer. Viele Künstlerinnen wehren sich dagegen, dass ihre Arbeiten zum freien Download auf einer Plattform zur Verfügung stehen und möchten, dass man sie im Kino sieht.

Interview und Bild: Gesa Schölgens

Worum es in dem Neun-Minüter geht, wird im Programmheft des IFFF treffend beschrieben: „Während einer Treibjagd wendet sich eine Herde Hirsche gegen die Hundemeute, die sie verfolgt und die bisher Gejagten werden zu Jägern.“ Dabei führt die Jagd „durch Landschaften, die apokalyptisch zerfallen und in anderer Form wieder neu entstehen“.

Optisch erinnert der Film an alte Tuschezeichnungen, die leichte Coloration bedient sich lediglich einiger Farbtöne in Grau, Blau und Braun. Tatsächlich dienten historische Stiche als Vorlage. Trotzdem trifft Keaton mit ihren Tier- und Naturmotiven den Geist der Zeit, die Musik  leistet ihren Teil. Mit verzerrten Gitarrenriffs, eingebettet in starke Bässe und elektronische Sounds begleitet der Verlauf der Klangfärbungen den Fluss der Bilder und verdeutlicht ihre Rhythmisierung. Die Musik stammt ursprünglich von Vale Poher, wurde für „Je criais contre la vie. Ou pour elle“ von dem französischen Produzenten Bob X neu arrangiert.

Zwar lief dieser Kurzfilm bereits am vergangenen Mittwoch im Festival-Kino Schauburg, doch sollte das nicht der letzte seiner Art gewesen sein. Denn nach alter Manier und Sitte zeigt das Internationalen Frauenfilmfestival zu jedem Spielfilm einen begleitenden Vorfilm, der im Programm entsprechend angekündigt ist. Und wer einmal richtig ins Thema einsteigen möchte, der kann das heute Abend tun: das Kino sweetSixteen zeigt zwölf animierte Kurzfilme, eine Auswahl des Tricky Women Filmfestivals aus Wien.

Tricky Women präsentiert Animationen
Freitag, 14.04.2011, 20 Uhr im sweetSixteen

Sonia Güttler

„Du bist an der Kampstraße? Ich komme vorbei und hole dich ab, dann machen wir eine Spritztour mit dem Solarmobil!“ So schnell kann es gehen, von „mal eben Foto machen“ zum Roadtrip, und das in zwei Minuten. Hinter dem Fredenbaumpark auf einem Parkplatz wartet der 7,5-Tonner darauf, die Straßen zu erobern. Bereits der erste Anblick löst Verwunderung aus: Das Solarmobil, auf Veranstaltungen eigentlich ein Beispiel für autarke Stromgewinnung und Lebensweise, ist ein riesiges weißes Ungetüm – ohne Solarpanels.

Besitzer Michael kann das erklären. Denn das Solarmobil ist nicht nur ein wesentliches Element der „Oase in Beton“-Ausstellung, es ist auch eine Herzensangelegenheit. „Früher hatte ich einen 12-Tonner, in dem hab ich sogar gewohnt“, sagt der Verfahrenstechniker mit LKW-Faible. Eigentlich ist das Solarmobil sein Surf- und Kayakmobil, eine Art überdimensionierter Wohnwagen.  Solarpanels muss er für Anlässe wie die „Oase in Beton“ leihen. Das tut er allerdings nicht allein, wie er mir auf dem Trip erzählt, zu dem wir aufbrechen.

Der erste Blick in das Mobil ist eher ernüchternd. Von innen sieht es aus wie ein alter Übertragungswagen eines Fernsehsenders, den jemand mit hellbrauner Buche getäfelt hat. Eine Einbauküche und Sitzecke vervollständigen das Bild. An einigen Stellen fallen Leisten ab, Farbeimer stehen herum, und als wir losfahren, fliegt die Kühlschranktür mit lautem Knall auf und veranstaltet während der restlichen Fahrt ziemlichen Krach. „Das wird bis Freitag alles noch!“ verspricht Michael und grinst. Erst geht es zur Tankstelle, dann zockeln wir mit gemütlicher Geschwindigkeit übers Land. Dass der Wagen überhaupt noch fährt, ist bei oberflächlicher Betrachtung ein Wunder. Besser geeignet ist er aber definitiv dazu, mit Solarpanels im Zentrum der Aufmerksamkeit zu stehen. Bei einem Festival auf der Dortmunder Münsterstraße im letzten Jahr hatten sie das zum ersten Mal ausprobiert. „Wir haben mit den Panels den ganzen Tag und die komplette Nacht zwei Bühnen und Videovorführungen mit Strom versorgt – ohne einen einzigen Ausfall!“ Wir, das sind unter anderem Michael als Techniker und Thomas als Organisator.

Verantwortliche des IFFF hatten den Wagen in der Münsterstraße gesehen, so kam das Engagement für das Frauenfilmfestival zu Stande. Michael findet vor allem lobende Worte für das Festivalmotto. „Was tun, das ist ein gutes Motto! Das ist doch das, was heutzutage fehlt. Alle quatschen und es tut sich nichts!“ Urbane Räume zu verbessern und verschönern, findet er wichtig. „Ich hatte mal eine Anzeige, weil ich eine öffentliche Hecke geschnitten habe“, erzählt er grinsend. Mittlerweile sind wir durch die Hälfte der Dortmunder Vororte gefahren, haben fast versehentlich einen Außenspiegel mitgenommen und kommen langsam wieder auf dem Parkplatz an. Wann wird aus dem Kayak-Mobil denn das Solarmobil? „Die fünf Solarpanels, die uns die Firma Solarplus umsonst leiht, hole ich Donnerstag ab.“ Bevor das Solarmobil auf der Kampstraße geparkt wird, muss er mit Starkstromtechniker Roman dann nur noch die Verkabelung der Panels vornehmen. Ansonsten? Fehlt noch ein Aufkleber und ein bisschen aufräumen. Dann kann es am Freitag losgehen.

Das Solarmobil steht als Teil der „Oase in Beton“ Freitag und Samstag von 12 bis 22 Uhr auf dem Kampstraßen-Boulevard. Thema ist dort unter anderem die Gestaltung urbaner Räume.

Laura Niebling

Die Dokumentation von Ulrike Bartels zeigt den unkonventionellen Lebensentwurf der Familie Sonnemann: sie leben auf einer Farm im Hunsrück, ohne Strom, ohne fliessend Wasser – ganz so, wie die Natur das Leben vorgibt. Das war schon immer der Traum von Friedmunt und Kathrin Sonnemann, sie haben ihn sich erfüllt. Kathrin kümmert sich um die Tiere des kleinen Hofs, Friedmunt züchtet biodynamisches Saatgut – die Einkünfte reichen, um den materiell bescheidenen Lebensstil zu finanzieren.

Die Kinder nehmen durchaus wahr, dass sie anders leben. Doch bemängeln sie nicht die Lebensart ihrer Eltern, vielmehr beschäftigt sie, wie das Umfeld darauf reagiert. Die Tochter erzählt, daß ihre Klassenkameraden sie deswegen manchmal ausgrenzen, „das macht mich dann traurig“. Ihr jüngerer Bruder geht da schon pfiffiger vor: „Ich hab’ denen im Kindergarten das gar nicht verraten. Die wissen das gar nicht, dass ich anders wohne. Die denken, ich wohne bei der Großmutter. Aber das stimmt gar nicht.“

Trotz offensichtlicher Kritik scheinen die Kinder zu profitieren: beide machen einen besonders wachen und selbstbewussten Eindruck, haben einen herzlichen Umgangston, einen natürlichen Umgang mit Tieren und ihrem direkten Umfeld. Sie spielen voller Phantasie, sammeln bunte Schätze, machen sich nass und schmutzig, dass es eine wahre Freude ist – Pippi Langstrumpf wäre über solche Nachbarskinder froh gewesen.

Im Laufe der (Film-) Zeit erläutern Sonnemanns ihre Entscheidung, beide haben sie aufrichtig und inhaltlich schlüssig gewählt. So leben und arbeiten sie Tag für Tag für das, woran sie glauben. Mit dem Ergebnis eines ausgefüllten Lebens mit zwei glücklichen Kindern auf einer gedeihenden Okö-Farm. Lediglich das romantische Verhältnis zwischen Friedmunt und Kathrin wirkt abgekühlt – doch das kommt bekanntlich in den besten Familien vor.

Der Film verdeutlicht auf eindrucksvolle Weise, dass es nicht die alternative Lebensweise ist, die gesellschaftlich isoliert, sondern die Art, wie man darüber denkt und urteilt. Man verlässt das Kino mit großer Sympathie für Friedmunt, Kathrin und ihre Kinder, jedoch ohne das Gefühl, selbst gleich den Strom abschalten zu müssen – denn das erwartet weder die Gestaltung des Films, noch erwarten das die Sonnemanns selbst.

Sonia Güttler

Koos (Matthias den Besten) ist acht Jahre alt und lebt, seit er ein Baby ist, bei seinen Adoptiveltern. Seine Familie liebt ihn sehr und er sie ebenso. Er wünscht sich, auch so lange Beine zu haben wie sein Vater und sein Großvater und bewundert, wie gut sie schwimmen können. Auch eine Leidenschaft für Motorräder teilt die Familie.

Als allerdings Koos´ Mutter unwerwartet doch in der Lage ist, ein eigenes Kind zu bekommen und schwanger wird, befürchtet dieser, nun durch das leibliche Kind seiner Eltern ersetzt und weniger geliebt zu werden. Er gerät in eine Identitätskrise. In der Nachbarschaft lernt er eine Familie kennen, die wie er aus Peru kommt und ihm erzählt, dass auch er von Indianern abstammt.

Koos´ kleiner Bruder kommt zur Welt und seine Eltern bemühen sich, Koos zu zeigen, dass er trotz Adoption für sie genauso ihr Kind ist. Doch Koos packt seine Sachen, um mit der peruanischen Familie nach Peru zu reisen und reißt aus. Allerdings verpasst er sie, weswegen er beschließt, mit dem Schlauchboot nach Peru zu paddeln. Er gerät in ein Unwetter und sein Vater sucht ihn – außer sich vor Sorge. Als er ihn schließlich findet, gelingt es ihm, Koos zu vermitteln, dass er genau wie sein kleiner Bruder Kind seiner Eltern ist und geliebt wird.

In der anschließenden Diskussionsrunde zeigen sich die Schüler zwar nicht so engagiert wie Festivalmitarbeiterin Natascha Frankenberg, trotzdem ertönt es aus der letzten Reihe: “In seinem Alter schon so viel erlebt!”. Auch Lehrerin Cornelia Wimmer ist begeistert: “Ein hinreißender Film”, schwärmt sie. “Die Bilder, die Einstellungen, ich hätte beinah geweint”. Sie ist sich sicher, dass der Film zu einigen ihrer Schüler passt, die auch aus schwierigen Familienkonstellationen kommen.

Info:
www.sweetsixteen-kino.de

Sara Lienemann

Kinder und Jugendliche sind ein wichtiger Teil unserer Gesellschaft und die Zukunft von morgen. Umso wichtiger ist es, sie in die gesellschaftliche Diskussion einzubinden. Die Möglichkeit dazu erhalten Kinder und Jugendliche auf dem IFFF im Rahmen des Schulfilmprogramms, wo sie mit Themen konfrontiert werden, die ihrem eigenen Alltag oft fremd sind.

“Ziel ist es, Sehgewohnheiten zu durchbrechen und auf Themen aufmerksam zu machen”, erklärt Aycha Riffi, die seit vier Jahren als Moderatorin auf dem Schulfilmprogramm tätig ist. Von Montag bis Donnerstag liefen im Kino “Sweet Sixteen” jeden Morgen zwei Vorstellungen: Grundschüler sahen Kinderfilme, die sich häufig um Natur, Umweltverschmutzung oder Umweltschutz drehten, aber auch sozialkritische Themen, wo es um Freundschaften oder um Migration geht, standen auf dem Programm. Die Filmauswahl für die Älteren (ab 12 Jahre) setzte sich aus Musikfilmen, aber auch durchaus härteren Themen wie beispielsweise den Umgang mit AIDS zusammen.

Die im Anschluss an jeden Film geplante Diskussionsrunde über Filmtechnik und die gewonnenen Eindrücke der Zuschauer verläuft oft interessant: “Gerade bei der AIDS-Thematik hat man einen regelrechten Redebedarf gespürt”, berichtet Johanna Knott, Kinobetreuerin beim Schulfilmprogramm, und ergänzt, dass es nicht immer ganz leicht sei, Schüler zu einer Meinungsäußerung vor großer Gruppe zu bewegen. Oft sind es aber auch die Schulen selbst, die das Filmthema anschließend zusätzlich in den schulischen Unterricht integrierten: Im Anschluss an den Film “Frösche & Kröten” beispielsweise warteten auf die Schüler Naturworkshop-Wochen, die eine weitere Themenvertiefung zum Ziel haben.

“Kinder reagieren auf Filme oft völlig anders als Erwachsene”, weiß Aycha Riffi, die diesen Umstand als eine Herausforderung empfindet, der sie sich gerne stellt. Vor allem sei es hier die kindliche Dynamik in Form von Reaktionen, die einem nicht nur sofort, aber vor allem ungefiltert mitgeteilt werden. Dabei sei es wichtig, durch gezieltes Fragestellen auf die jungen Zuschauer einzugehen und somit neue Denkanstöße zu liefern.

Viele Schüler interessierten sich  für Themen außerhalb von DSDS und Co, fänden aber durch das TV-Programm nur schwerlich Zugang dazu, sagt Johanna Knott  und stellt fest: “Die Kinder haben oft ganz interessante Meinungen und können sehr wohl auch schon gut reflektieren, das sollte man nicht unterschätzen!”

Nadine Esch

Mit dem Dortmunder U hat das IFFF Dortmund | Köln eine neue Spielstätte gefunden. Neu nicht nur für uns, neu in jeder Hinsicht (der Baustellengeruch im ehemaligen Brauereigebäude lässt sich kaum ignorieren), Premieren auf jeder Etage, auch in der sechsten, wo das Museum Ostwall die erste Wechselausstellung am Ort präsentiert. „Bild für Bild“ betitelt, basiert sie auf der Sammlung des Centre Pompidou und geht der Frage nach, wie das Medium Film klassische Kunstformen von eher statischem Gepräge beeinflusst hat. Das geschieht in fünfzehn Kapiteln, angefangen bei den Grundlagen des Films (Lichtstrahl, Projektionsfläche) über Rhythmus, Montage und Kamerafahrt bis hin zu abstrakteren Ebenen wie Animismus und Noir. Sehens- wie empfehlenswert für alle, die Interesse an Film, seinen Techniken und seinen Schnittstellen zu benachbarten Kunstformen haben. Eine derart komplexe Auswahl ausdrucksstarker Exponate in räumlicher Nähe zu finden ist ein Glücksfall. Kuratiert wurde die Ausstellung in Paris, die kuratorische Assistenz auf Dortmunder Seite lag in den Händen von Anna-Cathérine Koch.

Ein Festival wie das IFFF wäre nicht nötig, wäre Gleichberechtigung in der Filmwirtschaft eine Selbstverständlichkeit. Vor diesem Hintergrund spiegelt, keine Frage, „Bild für Bild“ den Status quo der gesamten Kunst- und Kulturszene. Von uns um eine Antwort gebeten, warum dieses Ungleichgewicht existiert, nennt Anna-Cathérine Koch, ohne jeden Anspruch auf Vollständigkeit, drei mögliche Ansatzpunkte. Einen historischen, da Frauen noch vor nicht allzu langer Zeit ein Studium generell kaum möglich war. Darauf aufbauend einen immanenten, da Frauen in der Folge im System selten einflussreiche Positionen besetzen und nicht zuletzt einen menschlichen, da sie sich und ihre Arbeiten meist weniger aggressiv vermarkten.

Und welche Arbeit einer Künstlerin schätzt sie bei „Bild für Bild“ besonders? „Heartbeat“ von Nan Goldin: „In dieser Dia-Serie bricht Nan Goldin eine gradlinige Narration auf, erlaubt mittels sich überlagernder Bilder eine Vielzahl an Geschichten und Assoziationen und verknüpft ein wunderschönes Thema mit einer bewegenden Traurigkeit.“

Wolfgang Kienast

Bild:

Nan Goldin, Heartbeat, 2000, 245 Farbdiapositive (nach dem Chanson “Prayer of the heart” von John Taverner, interpretiert von Björk und dem Brodsky Quartet), Collection Centre Pompidou. Bildquelle: Centre Pompidou

Links:

Website über die Ausstellung

Wir zeigen hier Prinzessin Linda Quindas Zeichnungen von der Festivaleröffnung – die Zeichnungen sind „work in progress“.

Mehr von Prinzessin Linda Quinda gibt’s auf ihrer Myspace-Seite.

Genau die Idee, die Annemie Maes mit ihrem Workshop auf dem IFFF verfolgt, hatte auch facebook-User Don Tobbo Bassero: in den zubetonierten Stadtlandschaften grüne Oasen zu etablieren. Hässliche Ecken wie Straßeninseln oder Bushaltestellen dürfte es reichlich geben, einzige Voraussetzung: ein bisschen Erde muss vorhanden sein, damit die Sonnenblumen-Kerne Wurzeln treiben können. Dann nur noch Kerne in die Erde drücken, warten (bei ausbleibendem Regen vielleicht auch mal wässern), über Sonnenblumen freuen. Don Tobbo empfiehlt, alle Freunde einzuladen und gemeinsam den neuen Status als Sunflower-Guerilla zu feiern. Fast 70.000 facebook-User sind dabei. Infos gibt’s auf der „Sunflower Guerilla Day“-Seite auf facebook.

Auf den ersten Blick wirkt es fremd und verstörend, wie Bauer Ian auf seine Kälber zugeht. Beruhigend redet er auf sie ein und streichelt ihnen über den Kopf, als ob er ihnen nichts Böses wolle. Dann richtet er die Pistole auf ihre Stirn und drückt ab. Während die Tiere noch reflexhaft die letzten Zuckungen von sich geben, schmeißt Ian sie auf seinen Pick-Up und fährt sie an einen geeigneten Ort, um sie zu häuten. Warum er sie tötet? Weil sie eine Kreuzung sind, die nicht viel Fett ansetzt und die somit wertlos ist. Sie haben die falsche Farbe, das falsche Geschlecht, die falschen Karten. Nur die Weibchen kommen durch, wenn sie als Milchkühe Verwendung finden. Paul ist nicht glücklich über die Situation und ärgert sich darüber, dass die Regierung die Füchse schützt, aber nicht das Farmvieh.

Molly Dineen begleitet drei Bauern in ihrem alltäglichen Geschäft und erfährt von Mastbetrieben, die zu Ackerbetrieben wurden, weil die Tiere ökonomisch nicht mehr rentabel waren. Von den veränderten Erwartungen, die Menschen gegenüber Lebensmitteln haben und von der daraus resultierenden, fehlenden Unterstützung regionaler Bauern. Und von einer Regierung, die immer mehr Nahrungsmittel importieren will und damit die Landwirtschaft zugrunde richtet. Auch die Bauern fühlen sich nicht wohl dabei, ihr eigenes gesundes Vieh zu erschießen, doch sie müssen wirtschaftlich denken. Sie glauben, die Menschen akzeptieren das, weil diese Tiere für sie nur noch abgepackte Ware sind und sie vor der grausamen Realität abgeschirmt werden.

„The Lie Of The Land“ zeigt die knallharte Realität, in der die Bauern sich bewegen, und portraitiert dabei geschickt ihre Ausweglosigkeit inmitten von Nahrungsmittelpolitik und Existenzangst. Harte Bilder gehen hier Hand in Hand mit harten Fakten und sind sicher nichts für zart Besaitete. Damit bleibt Molly Dineen auf einer Ebene, von der sie etwas versteht. Egal, ob eine einsturzgefährdete U-Bahn-Station in London oder der Londoner Zoo kurz vor dem finanziellen Zusammenbruch, jedes heikle Thema findet seinen Platz auf der Leinwand. Molly Dineens Filme wurden mehrfach ausgezeichnet, so gewann auch „The Lie Of The Land“ 2007 den BAFTA-Award in der Kategorie „Single Documentary“.

Hier die genaue Wegbeschreibung: Wenn man aus dem Haupteingang des Dortmunder U kommt, geht man Richtung Hauptstraße und überquert hier die Straße. Auf dieser Seite geht man nach rechts die Straße Hoher Wall entlang bis zu einem Einrichtunsgeschäft mit dem Namen “Heimatdesign”. Direkt daneben befindet sich das Videocafé mit der Hausnummer 15. Der für den Verleih zuständige Mensch hilft bei Fragen weiter. Möglicherweise sind von den Kurzfilmem des Festivals nicht alle verfügbar. Neben diversen Filmen hat man hier zudem die Möglichkeit, über WLAN ins Internet zu gehen.

Öffnungszeiten:

Dienstag 15-18 Uhr                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                Mittwoch bis Samstag 10-20 Uhr                                                                                                                                                                                                                                                                                                                 Sonntag 10-18 Uhr

Vivian Schareina

Gestern Abend lief im Dortmunder Cinestar erstmals der Eröffnungsfilm „También la lluvia“. In dem Drama inszeniert die spanische Regisseurin Icíar Bollaín den Aufstand einer bolivianischen Stadt gegen die Privatisierung der Wasserversorgung. Der Film handelt vom leicht naiven Filmemacher Sebastian, der in Bolivien einen Film über Christoph Kolumbus drehen will. Die Zuschauer verfolgen seine Dreharbeiten und sein Handeln, aber auch Ausschnitte aus seinem Film. So entsteht ein raffiniertes Spiel mit den Filmebenen.

Der junge spanische Regisseur Sebastian (Gael García Bernal) macht sich mit seiner Filmcrew auf den Weg nach Bolivien, um dort einen Film über die Folgen der Kolonialisierung Lateinamerikas zu drehen. Schauplatz ist die Provinzstadt Cochabamba. Schon beim Casting der Schauspieler wird klar: Sebastian lebt mit Leib und Seele für seinen Film. Es ist ihm wichtig, die Ureinwohner Boliviens durch Laien aus der bolivianischen Unterschicht darstellen zu lassen und so fällt die Wahl des indigenen Hauptdarstellers auf Daniel, der sich bald als Widerstandskämpfer entpuppt.

Ziel von Sebastians Film ist es, auf die Unterdrückung und die Sklaverei aufmerksam zu machen, die Christoph Kolumbus an den Ureinwohnern Lateinamerikas verübte. In seinem Elan und seiner Begeisterung merkt Sebastian allerdings nicht, wie sich schon bald Parallelen zwischen seinem Film und seinem tatsächlichen Handeln ergeben. Während Kolumbus die Ureinwohner ausbeutete und versklavte, stehen auch bei Sebastian und seinem Filmteam die eigenen Interessen an oberster Stelle. So zahlen sie ihren Darstellern einen geringen, für Bolivien normalen Lohn und freuen sich über die geringen Produktionskosten.

Allerdings verschärft sich die Situation in Cochabamba. Schnell bekommt das Filmteam von den dort herrschenden Unruhen mit, die sich immer weiter zuspitzen. Die indigene Bevölkerung kämpft gegen die Privatisierung der Wasserversorgung. Dabei kommt es zu immer brutaleren Auseinandersetzungen zwischen Polizei und Demonstranten. Daniel ist tief in die Widerstandkämpfe verwickelt und auch Bestechungsversuche der Filmcrew können ihn nicht davon abhalten, für seine Grundbedürfnisse zu kämpfen. Vor allem Produzent Costa (Luis Tosar) erweist sich zunächst als besonders kaltherzig.

Als schließlich in der Stadt der Notstand ausgerufen wird, entschließt sich das Filmteam, diese zu verlassen. Auch Sebastian, der den Film unbedingt fertig stellen möchte, wird schwerenHerzens zur Abreise überredet. Im letzten Moment kommt Daniels Frau und bittet Costa um Hilfe, ihre verletzte Tochter Belén, die ebenfalls eine Rolle im Film gespielt hat, ins Krankenhaus zu bringen. Costa ist hin und her gerissen und gibt letztendlich nach, während Sebastian aus Angst nicht hilft. Damit gibt er sein sonst so idealistisches Handeln auf, während Produzent Costa erkennt, dass es wichtigere Dinge als den Film gibt.

Während Costa einen Wandel erlebt und Daniel ihm am Ende dankbarfür die Rettung seiner Tochter ist, wird Sebastians Film also nicht fertig gestellt.

Icíar Bollaín thematisiert mit ihrem Film eine tatsächliche Begebenheit, nämlich die Problematik der Wasserprivatisierung in Lateinamerika. Für viele Zuschauer ist dies ein volkommen unbekanntes Thema, was den Film auf jedenfall sehenswert macht. Außerdem überzeugen die Hauptdarsteller mit grandiosen schauspielerischen Leistungen. Insgesamt regt der Film zum Nachdenken an und ist, obwohl er von Leidenschaft und großen Gefühlen handelt, alles andere als kitschig.

Sara Lienemann

Im stimmungsvollen Abendrot nahm Festivalleiterin Silke Johanna Räbiger die meisten Gäste persönlich in Empfang. Darunter auch die Mitglieder der Jury des Internationalen Spielfilmwettbewerbs: die deutsche Kabarettistin Maren Kroymann und  die Autorin des amerikanischen Blogs “Women and Hollywood”, Melissa Silverstein. Das dritte Jury-Mitglied, die Niederländerin Claudia Landsberger, reist erst einen Tag später an.

Mit einer Ansprache begrüßte Schrimherrin und Bürgermeisterin Birgit Jörder das Publikum. In ihrer Rede betonte sie die Bedeutung des Frauenfilmfestivals in einer Gesellschaft, in der die Gleichstellung der Frau auch nach Jahren der Emanzipation noch immer nicht gesichert sei: “Es kann hier keine Entwarnung geben!” Außerdem schätze sie die langjährige Unterstützung vieler Unternehmen für das IFFF – und sie lobte das Festival an sich. “Die Stadt verfolgt das Internationale Frauenfilmfestival mit sehr großer Sympathie.”

Wie schon seine Vorrednerin beschäftigte sich auch Regierungspräsident Dr. Gerd Bollermann mit dem diesjährigen Leitmotiv des Festivals, “Was tun – Filme zur Situation”. In einem längeren Grußwort hinterfragte er das Motto und kam zu dem Schluß: “Begeisterung für Film kann Begeisterung für Themen erzeugen. Begeisterung für Aktionen im Film kann Bewegung erzeugen, Veränderungen anregen – Filmschaffen ist gesellschaftspolitisches Instrumentarium.”

Zuletzt sprach Festivalleiterin Silke Johanna Räbiger: “Gegenwärtiger kann ein Thema gar nicht sein. Dabei konnten wir vor mehr als einem halben Jahr nicht wissen, dass heute die Welt buchstäblich brennt.” Der Ausdruck in Räbigers Stimme ließ spüren, dass sie fest an das glaubt, was sie sagt. “Die Filme des Festivals werden die Zuschauer nicht unberührt lassen.” Mit einem herzlichen Willkommen eröffnete sie das Frauenfilmfestival 2011.

Sonia Güttler

Zwei Tage lang wird ein Teil der Dortmunder Innenstadt zum Experimentierfeld für eine nachhaltige und menschenfreundliche Nutzung des öffentlichen Raums. Das Herzstück der „Oase in Beton“ ist ein mit Solarzellen bestücktes Wohnmobil, das die Aktivitäten vor Ort mit Solarstrom versorgt – und damit zugleich eine Reminiszens ist an den IFFF-Film A Road Not Taken, der von dem gescheiterten Versuch des damaligen US-Präsidenten Jimmy Carter Ende der 70er Jahre erzählt, die Energieversorgung der USA auf erneuerbare Enrgien umzustellen.

Das mobile Festivallabor in der Kampstraße 47 möchte mit zahlreichen Aktivitäten motivieren, den Lebensraum Stadt ökologischer und lebenswerter zu gestalten: Rund um die „Oase in Beton“ wird beispielsweise mit Saatbomben für baldiges Grünen und Blühen gesorgt  – Guerilla Gardening ist hier das Stichwort. Oder mit einer Strick-mit-Performance Masche für Masche öffentlicher Raum verschönert. Welche Motive sich für Sprühkunst eignen und wie man entsprechende Schablonen herstellt, zeigt ein Stencil-Workshop. Ein Foto-Workshop der Künstlerin Susanne Henning zeigt Kindern und Jugendlichen, wie sie in einer urbanen Landschaft Foto-Motive entdecken können.

In einer mobilen Fahrradwerkstatt können BesucherInnen ihre Fahrräder checken und gemeinsam mit Mitgliedern der VeloKitchen reparieren. Außerdem kann man Musik von „L’esprit du temps“ lauschen, das Kunstprojekt „Unbehaust – 100 Zelte Kunst“ von Daniel Kasselmann oder das Wissens-Transferprojekt „Tausche Bildung für Wohnen“ kennenlernen, gesund und lecker im VeloKitchen essen und Vieles mehr.

Wieviel Raum in Dortmund am Freitag und Samstag die „Oase in Beton“ kreativ und ökologisch erobern kann, liegt übrigens ganz in der Hand der Teilnehmer: Mit Geld, das sie in die Parkuhren werfen, bestimmen sie den Aktionsradius und die Dauer dieses Experiments.

Termin: 15. und 16. April 2011, 12-22 Uhr. Ort: Parkbucht in der Kampstraße 47.
Das genaue Programm gibt es hier zum Download.

Birgit Pieplow

Bild: Labsa (Sławek Drajer)

Mareike Potjans

Bild: Anna Berneiser

Wer getreu dem Festival-Motto handeln will, bewegt sich am besten per Muskelkraft fort. Vor der ersten Ausleihe muss man sich einmalig registrieren, danach können die Räder jederzeit per Handy gebucht werden.

Auf der Website von metropolradruhr wird erklärt, wie’s funktioniert. Auch das Festival-Team an der Infotheke im Dortmunder U gibt gerne Auskunft.

In der globalen Welt sind Länder dicht miteinander vernetzt. Auswirkungen unseres Handelns oder unterlassenen Handelns haben weitreichende Folgen. Politische Entscheidungen, die bei uns getroffen werden, sind spürbar für Menschen auf anderen Kontinenten. Dank der globalen medialen Vernetzung werden wir alle zu Zeugen des Geschehens. Gravierende Missstände tun sich auf: eine beispiellose Zerstörung unseres Planeten, Klimaerwärmung, unwürdiger Umgang mit Menschen und Tieren, Unterstützung von Diktaturen, Pharmaindustrien, die sich lieber an den Krankheiten bereichern statt zu heilen, kurzfristige Gewinnmaximierung auf Kosten Anderer – all das aus reiner Profitsucht. Das große Paradoxon unserer Zeit liegt darin, dass uns, anders als zur Zeit der Industrialisierung, längst das Wissen und die Technologien zur Verfügung stehen, um beispielsweise eine intelligente, nachhaltige Energiepolitik umzusetzen, von der wir langfristig profitieren würden. Kaum jemand setzt sich mit der moralischen und ethischen Verantwortung, die jeder Erdenbürger trägt, wirklich auseinander. Umso wichtiger erscheinen gute Filme, die uns informieren, aufklären und sensibilisieren, die uns die Vielfalt der Welt aufzeigen, ihre Widersprüche und Komplexität näher bringen.

Dokumentarfilme können unbequeme Wahrheiten aufdecken und die Öffentlichkeit auf Missstände aufmerksam machen oder wie in dem Film There Once Was an Island aus der Reihe „Age of Stupid“ Ungehörten eine Stimme geben. In einem anderen Film aus dieser Reihe, Waste Land, geht es um Vorurteile gegenüber Menschen am Rande der Gesellschaft. Filme können ein weites Themenspektrum abdecken und uns in Welten mitnehmen, die einem sonst verschlossen blieben. Der Film A Road Not Taken ist ein Paradebeispiel für ungenutzte Chancen, in neue Technologien und natürliche Energiequellen zu investieren, wie in die Solarenergie. Stattdessen setzte man auf Öl und Atomenergie. Über Alternativen hat man sich jahrzehntelang aus reiner Profitgier nicht genügend Gedanken gemacht. Das Öl wurde zum neuen Gold, das immer knapper wurde. Seinetwegen werden Kriege geführt und Menschen getötet. Die Folgen globaler Erderwärmung sind nicht zu leugnen. Wir sind dabei, unseren Lebensraum zu zerstören.

Umweltkatastrophen wie das Reaktorunglück in Fukushima sind die Folgen jahrzehntelanger Politik der Ignoranz und Verschwendungssucht. Sie zwingen stolze Industrienationen in die Knie und sind eine Warnung für andere. Die Folgen dieses verfehlten Handelns sind verheerend und vermutlich teilweise irreversibel. Die Häufung und Intensität dieser Naturkatastrophen ermahnt und treibt Menschen in Deutschland auf die Straßen, um gegen die verlogene Atompolitik der Bundesregierung zu protestieren. Es bleibt zu hoffen, dass der Protest keine Eintagsfliege bleibt und der Druck, der von ihm ausgeht, eine wirkliche Wende hin zu einem verantwortungsvollen Handeln einleitet.

Die Zeit wird knapp und die Vision aus „Age of Stupid“ rückt immer näher. Wenn sich nichts ändert, werden wir uns am Ende die gleiche Frage stellen wie der Protagonist im Film: Warum haben wir nichts getan, als wir noch die Möglichkeit dazu hatten?

Adam Zapert

Erstaunlich kritische Töne

„Man hätte es vielleicht schmuckweise ein bisschen mehr wohlfühlender gestalten können“, sagt der alte Mann, der im Blaumann auf einer Holzkiste im Garten seines Hofes im alten Dorfkern von Berlin-Marzahn sitzt. Hinter ihm erheben sich die ersten riesigen grauen Plattenbau-Riegel von Marzahn, einem der größten Wohnprojekte der DDR. Vorsichtig und umständlich sucht der Mann nach Worten, um das zu tun, was man 1980 in der DDR eher nicht vor laufenden Kameras tat: Kritik üben an der Umsetzung eines sozialistischen Städtebau-Projekts, in dem Wohnungen für 100.000 Menschen entstehen sollen.

Ziel der DDR-Führung: Wohnraum für alle bis 1990

„Wir bauen eine neue Stadt, die soll die allerschönste sein“, diese Zeile aus Paul Hindemiths Kinderoper aus den 30er Jahren könnte als Fanfare zu dem ertönen, was die DDR-Führung mit ihrem ehrgeizigen Wohnungsbau-Programm von 1972 anstrebte: den Bau moderner Wohnungen für Millionen von Menschen. Wohnungen mit Bad, Toilette und fließend Warmwasser. Wohnungen, die dringend benötigt wurden, weil nach Kriegsende neben der alteingesessenen Bevölkerung Millionen Vertriebene Wohnraum suchten – und die Städte nicht von selbst aus den Ruinen auferstanden.

Bis 1990 sollte der Wohnraummangel beseitigt sein – so die aus heutiger Sicht denkwürdige Zielmarke der DDR-Führung. Überall in der DDR wurden am Stadtrand Neubausiedlungen aus dem Boden gestampft; weil es schnell gehen sollte, in Plattenbauweise. Staatsgelder und Baumaterialien flossen in diese Neubauprojekte, was der Krieg an Gebäuden hatte stehen lassen, verfiel derweil. „Ruinen schaffen ohne Waffen“, witzelte die DDR-Bevölkerung über Honeckers Städtebaupolitik. „Also uns ist gesagt worden, es soll mal restauriert werden. Aber wann, das weiß ich nicht“, sagt denn auch im Film eine Frau aus Alt-Marzahn über ihr Dorf.

Frustrierte junge „Helden der Arbeit“

Kritische Töne sind in Gitta Nickels „Manchmal möchte man fliegen“ erstaunlich oft zu hören für einen Film, den die SED-Führung in Auftrag gegeben hatte. Nicht nur von Bewohnern von Marzahn, denen durch die Plattenbauten Äcker und Gärten genommen wurden. Kritisch äußern sich auch die jungen Bauarbeiter, die Gitta Nickel in diesem Film ein Jahr lang begleitet: Männer der Baubrigade von Taktstraße 13. Da ist die Rede von ausbleibenden Materiallieferungen, sodass für die Männer die Planerfüllung in weite Ferne rückt, von Faulpelzen in der Brigade und von Pfusch am Bau. Von dem Arbeitsdruck, den die jungen Männer mit nach Hause nehmen und der ihre jungen Familien zerbrechen lässt. Helden der Arbeit stellt man sich anders vor.

Mutig: Ein Lied von der Freiheit

Gitta Nickel selbst kommentiert die Bilder ihres Films nicht. Das sei typisch für ihre Filme, hat sie einmal gesagt. Sie lässt Menschen und Bilder sprechen: Etwa mit langen Kamerafahrten entlang den aus dem schlammigen Boden wachsenden uniformen Plattenbau-Fassaden. Oder mit Bildern aus der Vogelperspektive, die vom historischen Dorfkern mit seinen Höfen und Gärten auf die endlos erscheinende Großbaustelle aus Lehm und Beton schwenken.

Dazu Filmmusik von Karat, einer der erfolgreichsten DDR-Bands. Und wenn man genau hinhört, was da gesungen wird, wird noch deutlicher, warum Gitta Nickel mit diesem Film den Zorn der Parteiführung auf sich zog: Während zwei junge Bauarbeiter mit ihren Motorrädern über Landstraßen von der Arbeit nach Hause düsen, singen Karat leise vom Albatros, der um die Erde fliegt: „… vom Südpol nach Norden. Kein Ziel ist zu weit: Der Albatros kennt keine Grenzen.“ Ein Lied von der Freiheit, dazu zwei Motorradfahrer – das erinnert an den amerikanischen Kultfilm Easy Rider. Zufall oder subversive Regie? Ein Politbüromitglied soll jedenfalls, nachdem er den Film gesehen hatte, über Gitta Nickel gesagt haben: „Diesmal lassen wir sie noch fliegen, nächstes Mal fliegt sie.“

Schutz durch internationale Filmpreise

Nickels Auftraggeber hatten erwartet, dass sie eine erfahrene, erfolgreiche Brigade in den Mittelpunkt ihres Films stellt. So rechte Helden der Arbeit eben. Nickel aber suchte sich die jüngste, schwächste und unerfahrenste Baubrigade auf der Großbaustelle aus. Und drehte einen ehrlichen Film. Dass Nickel nach „Manchmal möchte man fliegen“ nicht „flog“, lag wohl vor allem daran, dass der Film beim Internationalen Festival für Dokumentarfilme in Leipzig bereits die „Silberne Taube“ gewonnen hatte; das schützte den Film und die Filmemacherin. Dennoch: In Kinos der DDR wurde der Film nie gezeigt.

Eine Antwort auf „WAS TUN“

Wer diesen Film gesehen hat, versteht ein Stück weit, warum die DDR untergegangen ist – erkennt aber auch, dass es trotz aller drohenden Repressalien mutige und ehrliche Menschen in diesem deutschen Staat gegeben hat. So wie Gitta Nickel. Damit ist „Manchmal möchte man fliegen“ auch eine eindrucksvolle Antwort auf die Frage, was Film tun kann. Eine sehr gute und dankenswerte Entscheidung der Kuratorinnen des Internationalen Frauenfilmfestivals, diesen Film in der Reihe „Urbane Landschaften“ zu zeigen.

Was ist aus Marzahn geworden?

1999, also 19 Jahre nach „Manchmal möchte man fliegen“, kehrte Gitta Nickel übrigens mit einem Kamerateam nach Marzahn zurück. In „Die da in der Platte“, einer Produktion für den Ostdeutschen Rundfunk Brandenburg, knüpfte sie an den ersten Marzahn-Film an, spürte Veränderungen nach und interviewte einige ihrer Protagonisten von damals. Gitta Nickel, die auch nach der Wende erfolgreich als Dokumentaristin arbeitet, hat vor zwei Jahren erklärt, dass sie gerne einen dritten Film über Marzahn machen möchte. Jetzt, wo die ersten Plattenbauten abgerissen worden sind.

Manchmal möchte man fliegen läuft am Sonntag, 17.4.2011, um 16 Uhr in der Schauburg 1.

Birgit Pieplow

Bild: www.pixelio.de

Quellen:

Interview mit Gitta Nickel

Matthias Kunert: Gitta Nickel besuchte “Die da in der Platte”

MDR-Lexikon: DDR-Wohnungsbau. Der Traum von der Platte.

Promis vor der Kamera: Gitta Nickel.

Der Himmel über Dortmund wird bedrohlich dunkel zum Fototermin des Internationalen Frauenfilmfestivals Dortmund|Köln am Dienstagmittag – kurz vor der Eröffnungspressekonferenz. Die ungeduldige Presse versucht eilig, das “Gruppenbild mit Damen” in Position zu stellen. Nicht ganz einfach bei Frauen wie diesen, die sich nicht danach drängen, im Rampenlicht zu stehen – obwohl sie in den kommenden Tagen tragende Rollen beim Frauenfilmfestival einnehmen: die Leiterin des Festivals, Silke Räbiger, Stefanie Görtz, eine der Kuratorinnen und Pressesprecherin, Claudia Kokoschka vom Kulturbüro der Stadt Dortmund, Emilia Hagelganz vom Projekt “Oase in Beton” und die beiden Mitglieder der Wettbewerbs-Jury Maren Kroymann und Melissa Silverstein nebst Dolmetscherin Maria Tillmann.

“WAS TUN” – die Aktualität des Mottos des diesjährigen Frauenfilmfestivals sei angesichts der Ereignisse in Japan und im arabischen Raum fast schon beängstigend, sagt Claudia Kokoschka. Das Festival zeige die Grenzen einer hochzivilisierten Gesellschaft auf und sei deshalb in diesem Jahr ein politisches Festival, das ein “filmisches Netz” über Dortmund lege. Denn: “Wer in Dortmund Kino macht, ist beim Festival dabei.”

Neben aller Nachdenklichkeit, die das Festival durch sein Motto vielleicht hervorruft, ist aber auch viel Erfreuliches zu berichten: Es gibt in diesem Jahr einen neuen Preis, den Dortmunder Dokumentarfilmpreis, ausgelobt von der Stadtsparkasse Dortmund. Es gibt vier Wettbewerbe mit Preisgeldern in Höhe von insgesamt 41.00 Euro. Es gibt ein neues Kino im Dortmunder U und mit dem Roxy ein traditionsreiches wiedereröffnetes. Und natürlich gibt es ein vielfältiges Programm an Filmen und Projekten – vom internationalen Spielfilm über das Animations-Kurzfilmprogramm und das von Emilia Hagelganz vorgestellte Projekt “Oase in Beton” bis hin zu Ulrike Haages Konzert “infinitum”.

Erfreulich auch, dass das IFFF trotz ständiger Kürzungen im Kulturbetrieb zurzeit auf einer soliden finanziellen Basis steht – dank treuer  Sponsoren, wie Festival-Leiterin Silke Räbiger berichtet. Sie stellt einige Highlights des Programms vor, etwa den Dokumentarfilm “Hotel Rai“, der einen besonderen Bezug zur aktuellen Dortmunder Diskussion um den Zuzug von Menschen aus Bulgarien hat.

Dass es immer noch zu wenige Filme von Frauen und über Frauen gibt, viel zu wenige Filme aus dem Blickwinkel von Frauen, sagt Maren Kroymann. Und wenn es denn solche Filme gäbe, seien es in der Regel Low-Budget-Filme. “In die großen Filme mit Geld kommen wir nicht rein”, sagt Kroymann. Die “aufrührerische Grundhaltung des Festivals” findet Kroymann vorbildlich und die Verankerung des Festivals in der Stadt, von thematischen Bezügen der von den Kuratorinnen ausgewählten Filme bis hin zum Sponsoring durch lokal und regionale Banken und Unternehmen. Von der Rolle der Frau in amerikanischen Filmen berichtet Melissa Silverstein, frisch eingeflogene Bloggerin aus Hollywood und ebenfalls Jury-Mitglied.

Das Frauenfilmfestival schaffe eine Verbindung zwischen Leben und Kunst, sagt Maren Kroymann auf dieser Pressekonferenz. Und irgendwie setzen die Podiumsfrauen das Gesagte ins Bild, als sie nach der Pressekonferenz auf den Friedensplatz vor dem Rathaus treten. Übrigens unter einen strahlend blauen Himmel über Dortmund.

Birgit Pieplow

Zum vierten Mal vergibt das IFFF den Spielfilmpreis für Regisseurinnen. Er ist mit 25.000 Euro dotiert. Ziel des Spielfilmpreises ist es, die Arbeit von Filmemacherinnen zu würdigen, die nicht zum ersten Mal einen überzeugenden Film vorlegen, sondern sich im Film-Business bereits einen Namen machen konnten. Ein Novum ist, dass das Preisgeld aufgeteilt wird: 15.000 Euro gehen an die Regisseurin; 10.000 Euro bekommt der deutsche Verleih, um die Kinoauswertung des Gewinner-Films zu fördern. Im Wettbewerb sind acht Filme; vier davon laufen auf dem IFFF als Deutschland-Premieren. In der Jury sitzen Maren Kroymann, Melissa Silverstein und Claudia Landsberger.

Der Wettbewerb für Bildgestalterinnen – also für Kamera-Frauen – ist schon abgeschlossen, die Preisträgerinnen stehen bereits fest: Der mit 5.000 Euro dotierte Preis geht je zur Hälfte an Eva Maschke für den Film Frauenzimmer und an Hanne Klaas für den Film Ole. Eine lobende Erwähnung erhält die gebürtige Dortmunderin Maria Goinda für den Film Cartonera. Die Jury bestand aus Sophie Maintigneux, Daniela Knapp und Stephanie Hardt.

Helga Reidemeister ist die erste Preisträgerin des Dortmunder Dokumentarfilmpreises. Diesen Preis in Höghe von 10.000 Euro stiftet die Sparkasse Dortmund künftig alle zwei Jahre. Mit dem Preis wird das Gesamtwerk einer europäischen Dokumentarfilmerin ausgezeichnet.

Der Publikumspreis schließlich wird gestiftet vom Ruhrgebiets-Magazin trailer, er ist mit 1.000 Euro dotiert. Die Zuschauerinnen und Zuschauer können auf dem Festival die Stimme für  ihren Lieblingsfilm abgeben. Der Film muss mindestens 60 Minuten lang sein, und er darf nicht älter als zwei Jahre sein.

Alle Preise werden am Sonntag, 17. April, in Dortmund übergeben.

Petra Werner

Bild: wrw / www.pixelio.de

Der Test ist ganz einfach – er besteht aus drei simplen Fragen. Erstens: Kommen in dem Film mindestens zwei Frauen vor, die einen Namen haben? Zweitens: Unterhalten die sich – und zwar MITEINANDER? Und drittens: Unterhalten sie sich über was anderes als Männer?

Genau, den Test bestehen nicht viele Hollywood-Filme. „The A-Team“ fällt durch (weniger als zwei Frauen mit Namen), „Biutiful“ auch (zwar mit zwei Frauen, aber die reden nicht miteinander), „A Serious Man“ (sind zwar zwei Frauen drin, die reden auch miteinander, aber worüber? Einen Mann!). Na gut, das letzte Beispiel zeigt, dass der Test keine abschließende Aussage über die Qualität eines Films erlaubt.

Die Website „Bechdel Test Movie List“ listet momentan 2089 Filme auf, die den Test durchlaufen haben. Wie der Test funktioniert, zeigt ein Video des Blogs feministfrequency:

Petra Werner

Einen aktuelleren Bezug kann ein Dokumentarfilm über das Ende der 70er Jahre wohl kaum haben: Ein hochentwickeltes Industrieland muss zur Kenntnis nehmen, dass sein bisheriges Energiekonzept nicht zukunftsfähig ist. Ende der 70er Jahre erkennt die US-Regierung unter Jimmy Carter, dass die Öl- und Gasvorräte der USA tatsächlich endlich sind und die USA sich von Öl-Importen unabhängig machen müssen. Im Jahr 2011 müssen Regierungen weltweit erkennen, dass das „Restrisiko“ einer Energieversorgung durch Atomkraftwerke tatsächlich ein Risiko ist. Was tun?

Vision von erneuerbaren Energien

Jimmy Carter setzte auf erneuerbare Energien, vor allem auf Sonnen- und Windenergie, und aufs Energiesparen. Bis zum Jahr 2050 sollte die gesamte Energieversorgung der USA auf erneuerbare Energien umgestellt sein. Er startete ein Forschungsprogramm für Solarenergie, gründete ein Energieministerium und belegte Gewinne der Ölkonzerne mit hohen Steuern. Symbolträchtig ließ Carter 32 Sonnenkollektoren auf dem Dach des Weißen Hauses installieren.

Endstation Museum

Zeitsprung. Im Jahr 2006 liegt ein Teil dieser Sonnenkollektoren verstaubt im Schuppen eines Colleges im Bundesstaat Maine. Ronald Reagan, der die Präsidentschaftswahlen 1981 gegen Carter nicht zuletzt dank großzügiger Unterstützung der Öl-Industrie gewann, kürzte Carters Energieprogramm um 90 Prozent und ließ die Solarpaneele vom Dach des Weißen Hauses wieder entfernen. Zwei der Sonnenkollektoren gehen in „A Road not Taken“ mit Christina Hemauer und Roman Keller auf die Reise: auf einem Pickup von Maine über Washington nach Atlanta, wo sie in die Sammlung des National Museum of American History bzw. des Carter Presidential Museum & Library aufgenommen werden.

Der Film montiert Bilder dieser Fahrt mit Rückblenden in die USA der 70er Jahre, in die Zeit der Öl-Krise: endlose Autoschlangen vor amerikanischen Tankstellen, LKW-Fahrer, die wütend gegen zu hohe Benzinpreise protestieren und ein Präsident, der von den US-Bürgern drastisches Energiesparen fordert – und sich damit im Land der grenzenlosen Möglichkeiten keine Freunde macht. Der Film versucht, Gründe für das Scheitern von Carters Energiepolitik aufzuzeigen. Bürger, Solartechniker und politische Akteure von damals kommen zu Wort. Und Jimmy Carter – in Reden als Präsident und in einem Interview, das Hemauer und Keller im Jahr 2007 mit ihm führen konnten.

Was hatte Carter in seiner Rede zur Einweihung der Solaranlage auf dem Weißen Haus so vorausschauend gesagt? „Für die nachfolgende Generation kann diese Solaranlage entweder eine Rarität sein, ein Museumsstück, ein Beispiel für einen nicht eingeschlagenen Weg, oder sie kann Teil eines der größten und aufregendsten Abenteuer sein, das Amerikaner je unternommen haben.“

Energiewende verkehrt: Ende eines Öl-Bohrstopps

Und heute? Ende März 2011 hat Präsident Barack Obama eine Wende in der Energiepolitik vollzogen: Er will die US-Küste für Ölbohrungen freigeben. Jahrelang war dies in den USA heftig diskutiert worden; seit 20 Jahren galt aus Umweltschutzgründen ein Bohrstopp für diese Gegend. Allen voran hatte sich Obamas Vorgänger George W. Bush für Bohrungen vor Amerikas Küste eingesetzt, Obama hatte Bushs Pläne zunächst zurückgestellt. Die Ölkatastrophe im Golf von Mexiko im vergangenen Jahr gibt denjenigen Recht, die es beim Bohrstopp belassen wollten. Nun aber gilt es vor allem, so scheint es, die amerikanische Wirtschaft anzukurbeln und von Ölimporten aus OPEC-Staaten unabhängig zu machen. Wie sich doch Geschichte wiederholen kann …

„A Road not Taken“ ist ein Film über einen von den USA nicht beschrittenen Weg, eine verpasste Chance – und in diesen Tagen zugleich eine Ermahnung, dass es endlich an der Zeit ist, den Weg erneuerbarer Energien weltweit zu gehen. Und zwar mit großen Schritten.

A Road not Taken ist am Freitag, 15.4.2011, um 18.15 Uhr in der Schauburg 2 zu sehen.

Birgit Pieplow

Quellen:

wdr.de: Vor 30 Jahren: Jimmy Carter legt Energie-Sparprogramm vor. Ein unbeschrittener Weg.

spiegel.de: Obama gibt US-Küste für Ölbohrungen frei.

Riot Grrrl ist eine feministische Bewegung, die sich für die Gleichberechtigung von Frauen in der männlich dominierten Musikwelt einsetzt. Ihren Ursprung fand sie Anfang der 90er im US-Punk, verbreitete sich auch durch andere Musikszenen und besteht bis heute. Die Electropunk-Band Le Tigre gilt als wichtigste Vertreterin von Riot Grrrl, und ihr Gründungsmitglied Kathleen Hanna ist für ihr politisches und künstlerisches Engagement ebenso bekannt wie für ihre Ehe mit dem Bassisten der Beastie Boys und andere Anekdoten aus ihrem bewegten Musikerleben.

Mit ihrem 2004 erschienen Album „This Island“ waren Le Tigre ein ganzes Jahr lang auf Tournee, sie bereisten zehn Länder auf vier Kontinenten. Der Film zeigt Mitschnitte aus zwanzig Konzerten, Backstage, Begegnungen mit Presse und Fans, Situationen im Hotel und auf Reise. Doch „Le Tigre: On Tour“ ist keine Hochglanz-Doku in Musikvideo-Ästhetik – der Film zeigt nackten, schnöden Tour-Alltag.

Doch genau darum geht es in „Le Tigre: On Tour“: „Endlich ein Zeitdokument zu schaffen, wie es für andere Projekte im Riot Grrrl – beispielsweise Kathleen Hannas frühere Band Bikini Kill – nicht existiert“, erklärt Natascha Frankenberg, Kuratorin des Internationalen Frauenfilmfestivals. Le Tigre selbst schreiben auf ihrem Blog: „The movie highlights our motivations and the many ways we attempted to use humor when confronted with the inherent sexism and homophobia of the rock world.“ Und das drückt sich auch bei routinierten Band-Musikern wie Kathleen Hanna, Johanna Fateman und JD Samson sehr menschlich aus – so macht man sich über fragwürdige Formulierungen in einem Artikel auch einfach mal lustig.

Und so furchtbar echt und handgemacht, wie die Bilder des Filmes wirken, sind sie es auch: das Filmmaterial ist authentisch, wurde nachträglich zusammengetragen und an Regisseurin Kerthy Fix übergeben – ein Zeitdokument, im wahrsten Sinne des Wortes.

„Le Tigre: On Tour“ läuft am Mi., 13.4., um 20 Uhr im Kino im U.

Sonia Güttler

Palmen, Strand und rund um die Insel Takuu das offene Meer. Ein Paradies im Südwest- Pazifik vor der Küste Papua-Neuguineas. Vor allem  für ihre knapp 600 Einwohner, die fernab von Luftverschmutzung und Atomkraft seit Generationen auf der kleinen Insel leben. Sie ernähren sich von selbstangebautem Getreide und selbstgefangem Fisch. Doch ihr Leben in der Heimat ist bedroht: Der Meeresspiegel steigt und steigt – für die Bewohner von Takuu eine Katastrophe, denn die Insel liegt gerade einmal einen Meter über dem Meeresspiegel.

Der Film „There Once Was an Island – Te Henua e Noho“ von Briar March und Lynn Collie beschäftigt sich mit der kleinen Gemeinde und ihrem Umgang mit der ständigen Existenzbedrohung. Einige hoffen auf Rettung durch die Regierung, andere warten auf die Hilfe Gottes – doch während der 80-minütigen Dokumentation wird schnell klar: Die Einwohner müssen sich selbst helfen. Ihre Häuser werden regelmäßig an andere Standorte gebaut, die weiter von der Küste entfernt sind. Doch auch das wird sie nicht lange vor dem unabwendbaren Schicksal bewahren: Früher oder später müssen sie die Insel verlassen und auf das Festland umsiedeln.

Die Einwohner wollen ihre Heimat nicht verlieren

Tragisch ist das vor allem für die älteren Inselbewohner, die gesundheitlich nicht mehr in der Lage sind, die Strapazen einer solchen Umsiedlung zu überstehen, oder weil sie zu sehr an ihre Heimat und die Rituale der polynesischen Gemeinde gebunden sind.

Trauriger Höhepunkt des Films ist eine Flutwelle, die viele Häuser und die einzige Schule auf Takuu zerstört. Bücher, Möbel, persönliche Gegenstände – das Wasser reißt alles mit sich. „This is the end of us“, hört man den Lehrer sagen.

Die Schuld liegt bei uns

Doch wer ist schuld? Zwei Ingenieure reisen nach Takuu, um den Einwohnern zu erklären, warum der Meeresspiegel steigt. Latent ist dem Zuschauer die ganze Zeit bewusst: Die westliche Zivilisation hat es zu verschulden, dass diese Menschen ihre Heimat verlieren. Durch Treibhausgase, die jeden Tag verursacht werden. Durch die Autos, die wir fahren, durch die Verbrennungsvorgänge aus unseren Kraftwerken, durch unsere Einstellung  der Umwelt gegenüber.

Der Film berührt und regt zum Nachdenken an

Der Film berührt gerade durch das Fehlen eines Sprechers. Die Menschen erzählen von ihren Eindrücken und Erlebnissen – ohne dabei mit dem Finger auf jemandem zu zeigen. Ihnen geht es um ihre Heimat.

There Once Was an Island“ ist sehenswert. Man lernt eine Kultur kennen, von der man vorher vielleicht noch nie etwas gehört hat. Die ständige Spannung zwischen wunderschönen Landschaften und dem teils bedrohlich wirkenden Meer, das jedoch gleichzeitig die Lebensgrundlage für die Bewohner von Takuu ist, erzeugt Melancholie und Nachdenklichkeit.

Berührend, einfühlsam und mahnend

Wer eine Dokumentation sehen möchte, in der aufgezeigt wird, wen unser rücksichtsloser Umgang mit unserem Heimatplaneten jetzt schon stark betrifft, der ist bei „There Once Was an Island“ genau richtig. Der Film wird im englischen Original gezeigt und deutsch eingesprochen.

Wer sich den Trailer anschauen, oder Tipps erhalten möchte, wie er den Menschen auf Takuu konkret helfen kann, dem empfehlen wir die Homepage zum Film. Denn zu recht schließt der Film mit den Worten  eines Einheimischen: „If you lose something small in the world, you lose a lot.“

Der Film ist am 16.04.2011 um 20.45 Uhr im Schauburg Lichtspiel & Kunsttheater in Dortmund zu sehen.

Julika Röhrich

Quelle: Die Homepage zur Dokumentation http://www.thereoncewasanisland.com/

In „The Art of Being Human“ von Helene Granqvist und Hampus Linder werden Menschen gezeigt, die an ihre Grenzen stoßen. Da ist der Hilfspolizist Martin, der eigentlich zufrieden ist mit seinem Job, der beim Verteilen der Strafzettel oft ein Auge zudrückt und dennoch von niemandem Dank erhält. Arbeitskollege Lars dagegen erledigt zwar seine Arbeit, empfindet aber keine Freude dabei. Er bemerkt, dass Falschparker, die er mit einer Verwarnung davonkommen lässt, trotzdem mit Hass reagieren. Dass er mitten auf der Straße beschimpft werden kann. Dass er sich nicht anpassen, sich mit den ständigen Beschimpfungen nicht abfinden kann. Dass er den Anforderungen nicht standhalten kann. Burn-out – das bedeutet nicht nur Zusammenbruch, sondern auch Neubeginn.

Da ist die berufstätige Frau, Ehefrau, Hausfrau und Mutter: Susanne muss funktionieren, ihre eigenen Interessen zurückstellen. Ihr wird klar, dass man zwar Geld zum Leben braucht, aber vor allen Dingen auch ein Leben. Dass die Gegenwart zählt – vor der Zukunft und der Vergangenheit. Dass man Kontrolle loslassen muss. Wenn man schon die Gesellschaft, das System nicht ändern kann, dann doch das eigene Leben. Susannes krebskranker Mann Robban hat so sehr Angst vor dem Tod, dass er kaum überleben kann. Unpassende Gedanken: “Ich habe keinen Krebs”, sagt Susan, “ich kann nicht so leben, als wäre ich krank.”

Jede Szene des Films ist eine Botschaft für sich und führt gleichzeitig immer tiefer in die Thematik hinein. In jeder Szene gibt es einen Satz, der sich ins Gehirn einbrennt. Stellenweise lässt die erlebte Nähe zu den Protagonisten vergessen, dass es sich um einen Dokumentarfilm handelt; zu durchdacht und exemplarisch scheinen die Aussagen der Akteure.

Die Professoren Håkan Hydén und Patrik Gran untermauern das Gesagte mit Reflexionen über die Gesellschaft, über Regeln und Anforderungen, über Zweifel und Veränderung. Es wird viel offenbart und viel offen gelassen in diesem Film. Dass es hier um Individuen und nicht um Funktionsträger der Gesellschaft geht, setzt der Film auch im Detail um: Er verzichtet auf das Einblenden akademischer Titel.

Das Thema „Individuum in der Gesellschaft“ ist nicht neu, und doch bleibt nach 59 Minuten ein beklemmendes Gefühl zurück, das einen nicht so schnell wieder loslässt.

The Art of Being Human läuft am Sonntag, den 17.4.2011, um 14 Uhr im sweetSixteen-Kino.

Annika Willinger

Sinti und Roma, eine der größten Minderheiten in unserer Gesellschaft, sehen sich seit Jahrhunderten mit Verfolgung und Hass konfrontiert, da sie in kein in westlichen Gesellschaften geläufiges Modell passen wollen. „Kulturelle Inkompatibilität“ nennt Bastian Pütter dieses Phänomen, das sich auch in der Dortmunder Nordstadt als zunehmendes Problem erweist. Bastian Pütter ist Mitarbeiter des Dortmunder Obdachlosenmagazin bodo. Die Initiative tritt auf dem IFFF als Pate des Films „Hotel Rai“ auf. Darin sieht Bastian Pütter die Chance, einen neuen Blickwinkel auf die Probleme in der Dortmunder Nordstadt zu erhalten – zeigt der Film doch auf besondere Art und Weise die Lebensgewohnheiten von Sinti und Roma.

In diesem Dokumentarfilm zeigt Regisseurin Sophia Tavella das Scheitern eines Wohnprojekts, das vor 25 Jahren in Bulgarien als Vorzeigeprojekt galt. Das Projekt sollte der Versuch sein, Sinti und Roma in einer Hochhausanlage anzusiedeln und damit in die bulgarische Gesellschaft zu integrieren. Bilder von der einst hochmodernen Wohnanlage, vor der sich heute Berge von Müll türmen und das mittlerweile wieder im Rohbau-Zustand ist, sprechen für sich. Die Bewohner selbst haben diesen desolaten Zustand verursacht – und sie führen ihn tagtäglich fort.

Genau in diesen zum Teil schockierenden Bildern sieht Bastian Pütter die Stärke des Films und seine Botschaft: „Diese Menschen haben völlig andere Lebensweisen als wir. Die werden einfach in Hochhäuser gesteckt und kommen mit diesem System zu leben nicht klar!” Der Film zeige auf unbeschönigende Weise die dysfunktionalen Strukturen, in denen die Menschen leben. Er zeige aber auch deren Traditionsbezüge, die es noch einmal schwerer machen, sich anzupassen. Auch vernichte er das romantische Bild des unbeschwerten Zigeunerlebens, zeige er doch die reellen Lebensumstände der Menschen wie auch ihre Sehnsüchte und Träume von einer besseren Zukunft.

Seit dem EU-Beitritt Rumäniens und Bulgariens zieht es Menschen, wie sie im Film gezeigt werden, in Scharen in die Dortmunder Nordstadt. Durch ihre EU-Bürgerschaft dürfen sie sich dort völlig legal aufhalten. Der Grund für das Auswandern aus ihrer Heimat liegt darin, dass sie auch im eigenen Land zu einer ungeliebten Randgruppe gehören, wobei ihre Lebensumstände in Bulgarien noch einmal wesentlich schlechter sind als in Deutschland. „Da herrschen Armutsprobleme, aber auch eine Diskriminierung einzelner Volksgruppen, die wir uns hier gar nicht vorstellen können”, erklärt Bastian Pütter. „Diese Länder bieten den Menschen keine andere Alternative als zu gehen.“ Das sich jedoch gerade Dortmund mit einem derartigen Ansturm konfrontiert sieht, hat einen einfachen Grund: Die Busverbindung „Plowdiw– Dortmund“ macht auf direktem Weg in der Nordstadt halt. Ein Ticket kostet 117 Euro und macht eine Einreise attraktiv. Angekommen verbietet das EU-Gesetz jedoch ein normales Angestelltenverhältnis, erlaubt ist lediglich die Aufnahme einer selbstständigen Arbeit. Das dies mit mangelnden Sprachkenntnissen und ohne Ausbildung nahezu unmöglich ist, liegt nahe. „Was dann zur vielfach gewählten Option wird, ist eine Selbstständigkeit im Bereich der eigenen Körper“, erklärt Bastian Pütter.

Um die Illegalität einzudämmen, wurde ursprünglich ein Straßenstrich legalisiert der nun jedoch wieder geschlossen werden soll da Dortmund die Prostitution ganz verbieten möchte. “Die Frauen sind nun gezwungen illegal zu arbeiten und verlieren jeglichen Schutz”, so Basitan Pütter, der gegen diese Maßnahme ist. In unmittelbarer Nähe befindet sich der sogenannte „Arbeiterstrich“, wo sich überwiegend Männer für wenig Geld mitnehmen lassen, um verschiedene Arbeiten zu verrichten. Und wo einst die Sparkasse ihre Filiale hatte, ist nun das Ordnungsamt eingezogen – vor allem, um einem weiteren Strich, dem Drogenstrich, Einhalt zu gebieten. Da in der Nordstadt viele Häuser leer stehen, bieten sie nicht nur für Obdachlose, sondern auch für die Einreisenden eine Unterkunft. Doch auch das Mieten von einzelnen Matratzen zu Wucherpreisen, was Bastian Pütter als „Abzockwohnen“ beschreibt, ist für viele die einzige Chance.

Die Lage in der Nordstadt ist längst Gegenstand der öffentlichen Diskussion in Dortmund geworden. Auch wenn das bodo-Team die Empörung von Anwohnern als durchaus berechtigt empfindet, beunruhigt sie zugleich eine Stimmung, die sie als zunehmend aufgehetzt beschreiben. Die radikale Ablehnung der Sinti und Roma in der Nordstadt seitens Bevölkerung und seitens der Politiker ist ihrer Meinung nach dem Problem nicht förderlich. Doch genau da sieht Bastian Pütter das Potenzial des Films “Hotel Rai”, denn er böte die Möglichkeit zum Umgang mit Wirklichkeiten, die einem nicht passen. Der Film lade dazu ein, sich Sachverhalte anzuschauen, ohne eine Kategorisierung in Gut oder Böse vorzunehmen: „In diesem Film kann ich mir Dinge angucken und sie aushalten, in diesem Film sind Dinge gleichzeitig schön und gleichzeitig schrecklich. Dass Leute faszinierend fremd, aber auch abstoßend unsozial sind in ihrem Handeln. So sind Menschen, so ist das Leben und ich finde, das zeigt der Film ziemlich gut.“

Hotel Rai läuft am Freitag, 15.4., um 18.00 Uhr im Dortmunder U. (Achtung – wir hatten versehentlich gemeldet, der Film laufe bereits am Donnerstag. Dafür bitten wir um Entschuldigung.)

Nadine Esch

Bild: Nadine Esch

Irit Neidhardt wurde 1969 geboren und wuchs in Deutschland und Israel/Palästina auf. Sie studierte Islamwissenschaft, Ethnologie und Politikwissenschaft in Münster.
Seit 1999 arbeitet sie als freiberufliche Kuratorin und Referentin zum Bereich Kino und Nahost. 2002 gründete sie mec film (middle eastern cinemas), eine Verleih-, Vertriebs- und Beratungsfirma für Filme aus dem Nahen Osten. Außerdem koproduzierte sie Filme wie Mahmoud al Massads mehrfach ausgezeichneten Dokumentarfilm “Recycle” (2007) oder Simon El Habres preisgekrönte Dokumentation “The One Man Village” (2008).

Sie sind in Deutschland und Israel/Palästina aufgewachsen. Wann und aus welchen Gründen kamen Sie nach Deutschland?
Ich bin Deutsche, meine Eltern haben einige Jahre in Israel gearbeitet, wie andere Eltern in Frankreich oder Peru. Irgendwann ist der Vertrag dann zu Ende und man kommt zurück.

Was hatte Sie dazu bewogen, Islamwissenschaft zu studieren?
In der Bundesrepublik gab es keine Regionalstudiengänge, da war Islamwissenschaft, kombiniert mit Politikwissenschaft und Ethnologie, was meiner damaligen Vorstellung von dem, was ich wollte, am nächsten kam. Ein ganz pragmatischer Grund also.

Haben Sie als Frau selbst Repressalien erfahren, die von patriarchalischen Traditionen oder aber auch westlicher Intoleranz herrühren?
Frauen erfahren Repressalien ganz unabhängig von ihrer Religionszugehörigkeit. Dieser Tage wird viel über die Frauenquote in Vorständen von DAX-Unternehmen diskutiert, hier gibt es ganz offenkundig ein massives Ungleichgewicht zwischen den Geschlechtern, manche bezeichnen das als Repression. In Deutschland wurden Frauenhäuser in den 70er Jahren für weiße Frauen der Mehrheitsgesellschaft gegründet, um auf ein Beispiel von Gewalt einzugehen. Heute sind es überwiegend Migrantinnen, die sich in Frauenhäuser flüchten. Die deutschen Frauen haben oft andere, private Netzwerke, die sie in Krisensituationen nutzen können, auch dank der Tatsache, dass durch die Frauenhausbewegung das Thema der häuslichen Gewalt etwas enttabuisiert wurde. In Dubai ist vor ca. drei Jahren ein Frauenhaus für die Arbeitsmigrantinnen gegründet worden. In der Presse hieß es explizit, dass emiratische Frauen nicht von häuslicher Gewalt betroffen seien. Diese Behauptung hat zum einen was damit zu tun, dass in emiratischen Medien nicht schlecht über die Emirate berichtet werden darf, zum anderen mit einem Muster, das dem unseren gleicht, nämlich Spielarten der Unterdrückung von Frauen vor allem bei Anderen, nicht aber in der eigenen Gesellschaft auszumachen.

Der erste Gedanke, der mir durch den Kopf ging, als ich mir Videos der libanesischen Künstlerin Haifa Wehbe (siehe Bild) anschaute, war: “Zur Schau stellen weiblicher Reize und Islam, wie passt das zusammen?” Ist das die übliche Reaktion “westlich geprägter” Bürger?

Die Reaktion hat sicher mit dem sehr reduzierten Bild, das hier sowohl über die arabische Welt als auch über den Islam geschaffen und verbreitet wird, zu tun.

In etlichen arabischen Musikvideos räkeln sich die Künstlerinnen in lasziven Posen, mimen die selbstbewusste “Femme fatale”, die die Männer dominiert. Denken Sie, islamische Männer wünschten sich solche Frauen insgeheim oder fürchten sie diese eher? Welche Faszination üben die Künstlerinnen auf die Männerwelt aus?
Was Männer fasziniert, wird mir wohl immer zu großen Teilen unverständlich bleiben. 
Das Publikum dieser Videos ist groß genug, dass Pepsi, Kinderüberraschung, Puma und Co. ihre Werbung nach wie vor auf den Musikvideokanälen schalten, und die Sender leben von den Werbeeinnahmen. Die von Ihnen erwähnte Sängerin Haifa Wehbe ist der aktuelle weibliche Topstar der Mainstream-Musikindustrie, sie liefert Klatschgeschichten und weiß sich als Talkgast in TV und Hörfunk zu präsentieren und in Szene zu setzen. Bis vor einem Jahr hat sie ihre Videos selbst produziert und dann einen Kooperationsvertrag mit dem saudi-arabischen transnationalen Satellitensender Rotana Music unterschrieben – ihre Fans konnten auf der Haifa-Fansite über den Wunschproduktionspartner abstimmen. Kurzum, sie ist eine gute Geschäftsfrau. Ihre Videos unterscheiden sich in ihren doch recht billigen aufreißerischen Posen nicht sehr von den Clips der ein oder anderen US-amerikanischen Sängerin, wobei Wehbe das Spiel mit dem Sexappeal in einigen wenigen ihrer Clips interessanterweise ironisiert. In dem Video zu ihrem Song “Mush Adra Stanna” (“Ich kann nicht länger warten”) zum Beispiel gibt es eine Szene, in der sie in einem engen, sehr knappen Glitzerkleid auf die Kamera zuläuft, der Strass auf dem Kleid funkelt sternenartig. Nach einer Art provokativer Pirouette folgt ein sehr kurzer Schnitt und eine Comic-Sprechblase, in der „POW“ steht, wodurch mit der (männlichen) Zuschauerfantasie gespielt wird, nämlich dass Wehbes Busen das Kleid zum Platzen bringt.

Das in arabischen Musikvideos und Modemagazinen porträtierte Frauenbild, das Selbstbewusstsein und Stärke ausstrahlt, unterscheidet sich im Kern nicht signifikant von dem der abendländischen Medien. Sind die Medien als Ausdruck des tatsächlichen Fortschritts der Emanzipation oder lediglich als idealisierte Traumwelt zu sehen?
Da stellt sich zunächst die Frage nach dem Medienbild von Frauen im Westen und der Definition vom Fortschritt der Emanzipation. Grade in der Mode- und Musikwelt werden Frauen in den letzten zehn Jahren wieder stärker als bereits vorher zu Objekten reduziert. Die Werbeindustrie bedient sich zum Verkauf ihrer Waren eines Sexismus’, der oft die Grenzen des Pornografischen überschreitet, wie z.B. im letzten Jahr die Werbekampagne des AXE-Deodorants. Mit Freiheit hat das meiner Ansicht nach wenig zu tun und ob es emanzipatorisch sein kann, sich an einem ausbeuterischen System zu beteiligen, auch wenn man sich selbst dabei individuell als frei oder befreit definiert, muss in Frage gestellt werden. 
Frei nach dem Motto “Sex sells” klingeln überall auf der Welt die Kassen. Was die arabische Welt betrifft, kommt Kritik hieran zum Teil von Seiten der kritischen Intelligenz, die sich gegen die Durchdringung sämtlicher Lebensbereiche mit Konsum sowie gegen die Sexualisierung der Öffentlichkeit wendet, welche sie als anti-emanzipatorisch versteht.

Rima Khcheich z.B. klagt in ihrem Videoclip “Haflat Taraf” (“Verrückte Party”) die Ikonisierung von Popstars und Politikern gleichermaßen an und die Band Mashrou’a Leila bricht Geschlechterrollen und idealisierte Traumwelten aus dem Reich der Liebe humorvoll auf. Sowohl Khcheich als auch Mashrou’a Leila genießen im Libanon außerhalb des Kommerzes einen hohen Stellenwert.
 Im Zuge des zunehmenden Konservatismus, der in den letzten Jahren in der arabischen Welt zu verspüren ist, gibt es aber auch Kritik von religiöser Seite, die sich auf einen Werteverfall und zunehmende Aggression in der Gesellschaft bezieht. 2009 eröffnete der private islamische Musikvideosender 4Shabab (“Für die Jugend”), auf dem z.B. Videos der US-amerikanischen Rap-Formation Native Deen gezeigt werden, deren international wohl bekanntester Song “I Am Not Afraid to Stand Alone” sich mit der Diskriminierung von Muslimen in den USA auseinandersetzt und als Umgang hiermit auf die Kraft und Güte Gottes und Nächstenliebe setzt. Es gibt Clips, die die Auffassung veranschaulichen, dass man im Verbund mit Gott einfacher durch den Alltag kommt, sich nicht über die Nachbarn ärgert und auch gelassen bleibt, wenn einem jemand aus Versehen einen Eimer Wasser über den Kopf gießt. 4Shabab zeigt grob gesagt Musikvideos in der Spannbreite von Xavier Naidoo bis zum christlichen Rock, nur halt mit einer anderen Bezeichnung Gottes.

In Deutschland, so scheint es, erfolgt die Auseinandersetzung mit dem Islam fast ausschließlich im Zusammenhang mit der Diskriminierung von Frauen. Im Koran selber ist jedoch von Gleichberechtigung der Geschlechter die Rede (“Seht, Ich lasse kein Werk der Wirkenden unter euch verloren gehen, sei es von Mann oder Frau; [...]“).
Warum ist die mediale Berichterstattung im Westen so einseitig geartet?
Die Einseitigkeit, oder vielleicht konkreter die Eingeschränktheit der Berichterstattung ist augenscheinlich. In ein paar Sätzen kann man die Hintergründe sicher nicht mit der gebotenen Sorgfalt analysieren. Die Thematisierung der Diskriminierung von Frauen hat meines Erachtens die Funktion, Dichotomien aufzubauen: unterdrückt/befreit, modern/rückständig, demokratisch/unaufgeklärt, die argumentativ in einer machtpolitischen Debatte eingesetzt werden, die mit Freiheiten von Frauen in Wirklichkeit nichts zu tun hat. Rechte von Frauen machen nicht an religiösen, kulturellen oder nationalen Grenzen halt. Würde es um Gleichberechtigung gehen, dann wäre die Diskussion anders gelagert und würde auch die Rechte von Frauen z.B. in Deutschland einschließen, statt zu suggerieren hier wäre alles zu bestmöglicher Zufriedenheit.

Die Diskriminierung von Frauen ist nicht auf den Koran, sondern Traditionen und Sitten zurückzuführen. Was können islamische Frauen tun, um diese Traditionen aufzubrechen?
Wie in meinen vorherigen Antworten schon angeklungen ist, hat Diskriminierung von Frauen an sich nichts mit bestimmten Religionen zu tun, in Nuancen sicherlich, aber nur über Nuancen zu sprechen, ohne die Gesamtstruktur zu betrachten, verzerrt das Bild. Die oben genannten Bespiele der Videos von Haifa Wehbe, Rima Khcheich oder der gemischtgeschlechtlichen Band Mashrou’a Leila zeigen Frauen, die in der Öffentlichkeit stehen und sich politisch und künstlerisch sehr unterschiedlich positionieren und einmischen. Vor diesem Hintergrund stellt sich die Frage, wie Diskriminierung von Frauen konkreter definiert werden muss. Arabische Musikvideos sind nicht zwangsläufig Videos von muslimischen Künstlerinnen und Künstlern, die Region ist multi-ethnisch und multi-religiös, auch wenn im Zuge verstärkter Hinwendung zur Religion der Islam natürlich als Mehrheitsreligion das größte Gewicht hat und am stärksten wahrgenommen wird.

Termin:
Am 17. April (14 Uhr, Kino im U, Leonie-Reygers-Terrasse 2, Dortmund) wird Irit Neidhardt ihren Vortrag “Vom nackten Schmachten und politischer Intervention” über Frauen und Frauenbilder in arabischen Musikvideos halten.

Joshua Salewski

Infos:
www.iritneidhardt.de
www.mec-film.de
www.frauenfilmfestival.eu

Quellen:

25 Fragen zur Frau im Islam

www.iritneidhardt.de

Eines dieser Talente ist Liza. Das junge Mädchen mit dem blonden Irokesenschnitt und den Piercings in Lippe und Nase spielt gefühlvoll und fehlerfrei auf seinem Cello. Sie erzählt, wie sie in der dritten Klasse von Kasachstan nach Deutschland zog und zunächst bei ihrer Tante lebte. Dort lernte sie die deutsche Sprache und war bis zur sechsten Klasse Einser-Schülerin. Mit 14 zog sie mit ihren Eltern nach Berlin. Dass ihr Vater sie schlug und dass dies letztlich der Grund war, warum sie ihr Zuhause gegen ein Leben auf der Straße eintauschte, will ihre Mutter bis heute nicht wahrhaben. Seitdem gehört Liza der Punkerszene an, mit deren Stil, Musik und Einstellungen sie sich identifiziert. Dennoch spielt sie nebenher Cello, Klavier und singt. Und passt damit so gar nicht ins Klischee.

Fatale Erlebnisse in der Kindheit

Auch die anderen acht jungen Leute zeigen, dass jede Obdachlosigkeit eine individuelle Geschichte hat. Jede und jeder Einzelne der neun Protagonisten besitzt Talente, die Speth ins Bild rückt. Und jede und jeder erzählt seine Geschichte vor der Kamera: von Eltern, die trinken, zuschlagen oder Selbstmord begehen. Oder von Eltern, die zu viel Druck ausüben, weil sie es selbst nicht weit gebracht haben. Die jungen Leute sahen keinen anderen Ausweg als zu flüchten. Zu flüchten vor der eigenen Familie. Sie alle haben die Straße zu ihrem neuen Zuhause auserkoren und dort neue Freunde gefunden.

„Alles, was ich wollte, war Liebe, Geborgenheit und ein bisschen Verständnis“, sagt Sunny, als sie über ihren Vater spricht. Eine junge Frau mit einem hübschen Gesicht, geziert von vielen Piercings. Von Vergewaltigungen bis hin zu Drogen- und Alkoholexzessen hat sie auf der Straße schon fast alles erlebt. Nadine, die es vorzieht, Soja genannt zu werden, wollte nicht länger von den Liebhabern ihrer alleinerziehenden Mutter geschlagen werden. Und ihrer Mutter habe sie sowieso nicht viel bedeutet, erzählt sie. Auch sie suchte schon früh das Weite und landete auf der Straße. Ihre große Leidenschaft ist die Fotografie.

„9 Leben“ macht deutlich, dass es Vorurteile gibt, mit denen man aufräumen muss. Mögen die Protagonisten auch optisch manches Klischee erfüllen – ihre Geschichten zeigen, dass sich hinter der Fassade mehr verbirgt. Indem Speth die jungen Leute ins Studio holt, sie vor weißem Hintergrund buchstäblich ins rechte Licht setzt, entstehen individuelle Auftritte. In den minimalistischen schwarz-weißen Bildern stehen einzig die Personen mit ihren Schicksalen, aber auch Talenten, im Vordergrund. Das sterile Setting des Film mag man als anstrengend empfinden – es ist aber ein gelungener und einzigartiger Kunstgriff, die Aufmerksamkeit allein auf die Persönlichkeiten zu lenken. Für Klischees lässt dieser Film keinen Raum.

9 Leben ist am Sonntag, 17.4.2011, um 11.30 Uhr im Kino im U zu sehen.

Vivian Schareina

Städte – Lebensräume der Zukunft

In Städten lebt schon heute weltweit mehr als die Hälfte der Menschen. Bis 2050 sollen es etwa 80 Prozent sein – in Nordrhein-Westfalen ist dies heute schon Realität. Einst Bastion gegen Gefahr von Außen, können Städte heute leicht zur Falle für ihre Bewohner werden. Ein Blick nach Tokio mit seiner Bevölkerung von 35 Millionen Menschen hat dies in den vergangenen Wochen erschreckend deutlich gemacht. Mega-Städte gelten aber nicht erst seit dem atomaren GAU von Fukushima als leicht verwundbar: Naturkatastrophen, Industrieunfälle oder terroristische Angriffe sind Risiken für Bewohner, Werte und Infrastruktur.

Dennoch: Dezentrale Siedlungsstrukturen wären langfristig, so Experten, nicht nur wegen des damit verbundenen Flächenverbrauchs ökologisch nicht vertretbar. Wo Millionen von Menschen täglich zwischen Wohnung und Arbeitsplatz pendeln müssen, wird auch enorm viel Energie verbraucht und Treibhausgas produziert. Eine stärkere Integration von Wohn- und Arbeitsplätzen in Stadtquartieren ist deshalb wesentlicher Bestandteil nachhaltiger Stadtkonzepte.

Ungleiche Schwestern: Wachsende und schrumpfende deutsche Städte

Während in Teilen dieser Welt durch eine rasant wachsende Bevölkerung immer mehr Mega-Städte entstehen, schrumpfen in Deutschland viele Städte. Gründe sind Geburtenrückgang, Sterben von Industriezweigen und Abwanderung vor allem junger Menschen in Städte, die ihnen berufliche Perspektiven und kulturelle Attraktivität bieten. Für Städte im Ruhrgebiet sagt das Institut für Landes- und Stadtentwicklungsforschung bis 2030 einen Bevölkerungsrückgang um mehr als 15 Prozent im Vergleich zu 2008 voraus. Dramatisch ist die Entwicklung bereits in einigen Städten in den neuen Bundesländern: Dessau beispielsweise hat seit der Wende etwa ein Viertel seiner Bevölkerung verloren.

Andere deutsche Städte wachsen hingegen, etwa Berlin. Hier steigt die Nachfrage nach Wohnraum, besonders in zentralen Lagen. Die soziale Umstrukturierung gilt hier als Sorgenkind. Viertel, Veedel, Kiez – wie auch immer Bewohner „ihren“ Stadtteil nennen – werden saniert und als Wohnquartier attraktiver. Upgrading von Stadtvierteln nennt man das. Diese Aufwertung geht oft einher mit Segregation, also der Entmischung ihrer Bevölkerung. Segregation bedeutet, dass sich bestimmte Bevölkerungsgruppen auf bestimmte Stadtgebiete konzentrieren: Akademikerfamilien hier, Arbeiterfamilien dort, hier Doppelverdiener, dort Hartz-IV-Empfänger.

Gentrifizierung: Wohnst du noch oder räumst du schon?

Viele Alt-Bewohner aufgewerteter Stadteile können sich die teureren Mieten nicht mehr leisten und ziehen an die Peripherie oder in die Vorstädte. Alternative Lebens- und Wohnformen und Subkulturen verschwinden zunehmend aus den Innenstädten. Im Monopoly des 21. Jahrhunderts ersetzt häufig die Schlossallee die Badstraße. Was als kosmetische Sanierungsmaßnahme beginnt, endet nicht selten mit dem Gesichtsverlust ganzer Viertel. Das geschieht in Ost wie West, meist dort, wo einkommensstarke Haushalte vermehrt Wohnraum nachfragen und Investoren fette Renditen wittern. Gentrifizierung, Stadtteilveredelung, ist der Fachbegriff für diesen Prozess wachsender Dominanz einkommensstarker Haushalte in attraktiven Stadtquartieren. Paradebeispiel ist der Berliner Stadtteil Prenzlauer Berg. Inzwischen rückt Berlin-Friedrichshain ins Visier von Investoren – und in die Schlagzeilen, wenn ein Großaufgebot von Polizisten eines der letzten besetzten Häuser räumt.

Stadt-Ansichten von Frauen

Was tun gegen den Ausverkauf städtischen Lebensraums? Ein wichtiger Schritt besteht darin, Anschauung zu vermitteln, beispielsweise in Dokumentarfilmen: Anschauung davon, wie städtische Erneuerungsmaßnahmen das Gesicht einer Stadt verändern können und was dies für die betroffenen Menschen bedeutet. Aber auch Anschauung von Handlungsspielräumen, die genutzt werden können, um eine Aufwertung von Stadtteilen nicht zur Verdrängung ihrer Bewohner führen zu lassen. Das Internationale Frauenfilmfestival Dortmund|Köln zeigt solche Filme in der Reihe „Urbane Landschaften“. Von Ausverkauf und Zerstörung des Brooklyner Stadtteils Williamsburgh erzählt Diane Nerwens Dokumentarfilm Open House, von Widerstand durch Hausbesetzung Pennyless Decadence von Julia Keller und Katharina Pethke sowie Rosemarie Blanks Job en de Hollandse Vrijstaat.

Einen anderen Aspekt von Stadtentwicklung, nämlich städtebauliche Utopien, thematisieren die Dokumentarfilme Manchmal möchte man fliegen von Gitta Nickel und Sofia Tzavellas Hotel Rai. Beide Filme zeigen in eindrucksvollen Bildern, wie sozialistische Träume vom Schöner Wohnen entstehen und scheitern: Nickels am Beispiel des Baus einer gigantischen Plattenbausiedlung in Berlin-Marzahn Anfang der 80er-Jahre, Tzavella vor der Kulisse eines Roma-Wohnblocks in Bulgarien.

Städte neu erfinden

Während es noch in den 80er-Jahren in vielen deutschen Städten in Ost und West schlicht darum ging, möglichst massenhaft komfortablen Wohnraum zu erstellen, stehen moderne Stadtkonzepte heute unter dem Leitthema Nachhaltigkeit. Die Stadt muss sich neu erfinden – das gilt für schrumpfende ebenso wie für wachsende Städte. Funktionalistischer Städtebau mit einer Trennung von Wohn- und Arbeitsquartieren ist passé, weil er nicht nur unökologisch ist, sondern auch zu toten Innenstädten geführt hat. Zukunftsfähig sind Stadtquartiere, die Wohnraum, Läden und Büros in kurzer Distanz bieten und somit lange und energiefressende An- und Abfahrtswege der Menschen entbehrlich machen. Zukunftsfähig sind der Ausbau öffentlicher Verkehrssysteme und Gebäudebewirtschaftung mit erneuerbaren Energien – in Industrienationen produzieren Gebäude derzeit 40 Prozent der Treibhausgas-Emissionen.

Stadtkonzepte von und für Frauen

In der Entwicklung zukunftsfähiger Stadtkonzepte rücken Frauen inzwischen zunehmend in den Blickpunkt – nicht nur weil die demografische Entwicklung zu einem hohen Frauenanteil in älteren Jahrgängen führen wird. Grund hierfür ist auch, dass der Arbeitsmarkt der Zukunft mehr denn je auf qualifizierte Frauen angewiesen sein wird. Für diese Frauen müssen in Städten infrastrukturelle Rahmenbedingungen geschaffen werden, die ihnen ein Nebeneinander von Arbeit und Familie erleichtern: von kurzen Wegen zwischen Wohn- und Arbeitsplatz, einem gut ausgebauten Netz öffentlichen Personennahverkehrs bis hin zu attraktiven Betreuungs- und Bildungsangeboten für Kinder.

Gefragt sind sensible, kreative und integrative Stadt- und Wohnkonzepte. Oder wie Klaus Töpfer, ehemaliger Exekutivdirektor des United Nations Environment Program, es einmal formulierte: “Für mich sind die Städte gegenwärtig viel zu sehr aus der männlichen Perspektive, zu maskulin entwickelt. Wir brauchen viel mehr aus der Perspektive von Frauen entwickelte Stadtstrukturen. Deswegen brauchen wir auch mehr Frauen in der Stadtplanung.” Nur zu! Utopia ist schließlich weiblich.

Birgit Pieplow

Bild: Bildpixel / www.pixelio.de

Open House und Hotel Rai: Freitag, 15.4.2011, 18 Uhr, Kino im U

Manchmal möchte man fliegen: Sonntag, 17.4.2011, 16 Uhr, Schauburg 1

Job en de Hollandse Vrijstaat und Pennyless Decadence: Sonntag, 17.4.2011, 16.30 Uhr, Schauburg 2

Quellen:

13. Forum Globale Fragen: Die Welt als Stadt, die Stadt in der Welt – Globalisierung, Urbanisierung und internationale Politik. Berlin, 6. – 7. April 2006.

Ingrid Breckner: Gentrifizierung im 21. Jahrhundert. In: Aus Politik und Zeitgeschichte. Heft 17/2010

Ministerium für Wirtschaft, Energie, Bauen, Wohnen und Verkehr NRW (Hrsg.): Grundlagen der Stadtentwicklungspolitik

Ministerium für Generationen, Familie, Frauen und Integration NRW (Hrsg.): Demografischer Wandel. Die Stadt, die Frauen und die Zukunft.

Ralf Fücks: Der Moloch Stadt erfindet sich neu.

Bernd Wuschansky: Demographische Entwicklung der Städte und Gemeinden in Nordrhein-Westfalen. Große Differenzen.

Im November 2010 stand das Roxy vor dem Aus: Die frühere Betreiberin hatte ihren Pachtvertrag gekündigt und das Kino komplett leergeräumt. Für die Dortmunder Nordstadt, für die Dortmunder Kultur- und Film-Szene insgesamt ein herber Verlust – hätten nicht drei langjährige Mitarbeiter des Kinos das Ruder herumgerissen. Ideell und finanziell unterstützt durch einen eigens gegründeten Förderverein, machten sich Holga Rosen, Sascha Kirchhoff und Michael Markefka an die Renovierung und Neuausstattung und konnten schon nach drei Monaten zur Wiedereröffnung in das Lichtspielhaus an der Münsterstraße laden.

Der Film, der anlässlich der Eröffnung am 26. Februar in einem überfüllten Kino gezeigt wurde, ist ein Statement der Betreiber, das Rückschlüsse auf die filmische Ausrichtung zulässt: „Cecil B. DeMented“ von John Waters, eine punkig-anarchistische Trash-Komödie, deren Titelheld „Tod dem Hollywood-Kino!“ schwört.

Die Festival-Filme passen bestens ins anspruchsvolle Programm, und so ist das IFFF – 20 Jahre nach seiner Vorläuferin „femme totale“ – wieder zu Gast in der Münsterstraße: Am Donnerstag, 14.4., ist das Roxy um 20 Uhr Schauplatz des Gesprächs mit Jury-Mitglied Maren Kroymann und der anschließenden Projektion von Angelina Maccarones „Verfolgt“, um 22.3o Uhr wird der IFFF-Eröffnungsfilm „También la lluvia“ gezeigt. Zur Programm-Reihe „Was tun“ gehören „Act of Dishonour“, der am Samstag, 16.4., um 20.30 Uhr gezeigt wird, sowie „Word is Out“ am Sonntag, 17.4., um 16.30 Uhr (weitere Filme im Roxy siehe Programmheft).

Petra Werner

Links:
Roxy-Kino
Roxy-Förderverein

Zwischen 18 und 77 Jahren alt, decken die interviewten Personen ein breites Spektrum der Bevölkerung ab. Mit über 250 Personen haben Adair und seine Mitstreiter gesprochen und sich dann die herausgepickt, die ihrer Meinung nach die rührendsten und interessantesten Geschichten zu erzählen hatten. Da trifft man auf den Geschäftsmann, die Künstlerin, den Aktivisten, man sieht Amerikaner, Chinesen und Afroamerikaner und lauscht den Berichten von Studenten wie von Senioren. Natürlich steckt in jedem Klischee ein Funken Wahrheit – und so treten auch maskuline Frauen und feminine Männer auf. Was sie erzählen, liegt jedoch außerhalb jedes Klischees und jedes Vorurteils.

Die Protagonisten berichten nicht nur von den Schwierigkeiten des Coming-Outs, sondern auch von Unterdrückung durch die Gesellschaft, die in den Homosexuellen etwas Anormales sah. Polizisten parkten vor Gay Bars und beunruhigten die Besucher durch ihre ständige Anwesenheit, Soldaten verprügelten lesbische Frauen, weil sie sich der Eroberung entzogen, Homosexuelle wurden ohne jeden Grund aus Bars rausgeworfen. Die Liste der Diskriminierungen ist lang. Dennoch haben einige der Interviewten hartnäckig versucht, sich um jeden Preis an diese feindselige Gesellschaft anzupassen. Sie heirateten, bekamen gar Kinder, aber glücklich waren sie nie – bis der Tag kam, an dem sie sich selbst akzeptieren konnten. Die 77-jährige Dichterin Elsa vergleicht sich mit einer Figur in einem Roman, die vom Autor in eine bestimmte Struktur gepresst werden soll, sich aber mit allen Mitteln dagegen wehrt.

Für manche war der gesellschaftliche Druck schon in der Pubertät so unerträglich, dass sie lange Zeit selbst glaubten, etwas stimme nicht mit ihnen. Von Krankenhausbesuchen und dem Aufenthalt in psychiatrischen Anstalten berichten die Betroffenen, von harmlosen Salat-Diäten bis zu qualvollen Elektroschock-Therapien – alles dazu gedacht, ihre Homosexualität zu heilen. Allein auf die Eltern zuzugehen und ihnen alles zu erzählen, war für viele ein Albtraum. Auf die Frage, was ein Homosexueller überhaupt sei, wurde die Holzfällerin Whitey als junges Mädchen statt einer Antwort von ihrer Mutter angebrüllt.

Trotz aller negativen Erfahrungen können die meisten auch mit einem Lächeln auf den Lippen und glänzenden Augen von der ersten Liebe berichten. So fanden die beiden Senioren Harry und John erst mit über 40 Jahren zueinander, und sind immer noch glücklich verliebt. Die Schauspielerin Pat erzählt von allabendlichen Ausflügen in Tanzbars mit ihren Freundinnen und lacht dabei aus voller Kehle, verleiht ihren Erinnerungen damit dieses besondere Etwas, sodass auch der Zuschauer nicht anders kann als zu lächeln. Und auch die schüchterne Cynthia hat sich schon in jungen Jahren auf ihre Vorliebe für Frauen eingelassen, anstatt sich den Wünschen der Gesellschaft zu beugen.

“Word Is Out: Stories of Some of Our Lives” ist sicherlich ein Meilenstein der Filmgeschichte. In seiner Einfachheit bewegend und modern. In seinem Inhalt eine Möglichkeit für Identifikation und Akzeptanz zugleich. Und in seiner Botschaft 1977 für manche noch überraschend: Homosexuelle, das sind keine Psychopathen, keine Kranken und keine Sünder, sondern Menschen wie du und ich.

Word is out läuft am So., 17.4., um 16.30 Uhr im Roxy-Kino.

Christine Donath

Links:

Offizielle Website zu Word Is Out

Word Is Out bei Wikipedia

Peter Adair bei Wikipedia

Im Alter von 19 Jahren kehrte Bernal dem mexikanischen Fernsehen den Rücken, um an der berühmten Central School of Speech in London zu studieren. Er war der erste Mexikaner, der die Aufnahmeprüfung der Schule erfolgreich bestand. Das war 1997. Drei Jahre später stand er bereits für Alejandro González Iñárritus „Amores Perros“ vor der Kamera. Die Rolle des Octavio, eines aggressiven Kampfhundbesitzers mit gescheiterter Existenz, führte ihn zurück zu seinen mexikanischen Wurzeln und machte ihn zum internationalen Superstar. Gleichzeitig legte der Film den Grundstein für das neue mexikanische Kino.

Anspruchsvolle Rollen

Bernal bleibt dabei, kritische und extreme Rollen zu spielen. So auch 2004 in „Die Reise des jungen Ché“. Dort spielte er den jungen Revolutionär Che Guevara, auf dessen Schultern später das Schicksal ganz Lateinamerikas lasten würde. 2006 spielte er an der Seite von Brad Pitt und Cate Blanchett in „Babel“ einen Mexikaner, der den Ausbruch aus seinem Leben versucht, dabei kläglich scheitert und schließlich an der mexikanisch-amerikanischen Grenze Amok läuft.

Gael García Bernal führt keineswegs das Hollywoodleben, das ihm offen stehen würde. Den Ruhm und die nordamerikanische Lebensweise betrachtet er immer noch mit bodenständiger Distanz. Er ist seiner lateinamerikanischen Abstammung treu geblieben und wurde somit zum Aushängeschild der mexikanischen Filmbranche. Vielleicht ist es gerade das, was ihn so sympathisch macht: die kritische Verbundenheit mit seiner Heimat Mexiko.

Seine oft harten und ungewöhnlichen Rollen verkörpert der kindlich wirkende Bernal mehr, als dass er sie spielt. Diese Rollen sind nie einfach, sondern jedes Mal eine Herausforderung. In dem mexikanischen Skandalfilm “El crimen del Padre Amaro” stellt er zum Beispiel einen Priester dar, der ein Verhältnis mit einer Minderjährigen hat. Auf einer Pressekonferenz sagte Bernal einmal schmunzelnd: “Es macht ein so angenehmes Geräusch, wenn Tabus brechen.”

Im realen Leben ist Gael García Bernal ein Mensch, der Herausforderungen sucht und Ideale hat. So setzt er sich für Fairtrade in Lateinamerika ein und demonstrierte 2005 gegen den G8-Gipfel.

Hauptrolle im IFFF-Eröffnungsfilm „También la lluvia“

Nachdem er 2007 Jurymitglied bei den Filmfestspielen in Berlin war, ist er auf dem diesjährigen Internationalen Frauenfilmfestival im Eröffnungsfilm „También la lluvia“ von Icíar Bollaín zu sehen. Wieder spielt er die Hauptrolle, wieder handelt der Film von Lateinamerika und wieder verkörpert Bernal eine Persönlichkeit, die sich mit kritischen Themen auseinandersetzt. „También la lluvia“ spielt in Bolivien und thematisiert die Folgen der spanischen Kolonialisierung in Lateinamerika. Der junge und leicht naive Regisseur Sebastián (Gael García Bernal) will anhand eines Films über Cristoph Kolumbus zeigen, wie die Ureinwohner von den Spaniern unterdrückt wurden, als diese Lateinamerika eroberten. Durch den Film im Film entsteht eine interessante Verknüpfung von zeitlichen und räumlichen Ebenen.

Während „También la lluvia“ auf dem Festival für Begeisterung sorgen dürfte, wird Gael García Bernal vermutlich ganz andere Gedanken im Kopf haben. Denn in diesen Tagen wird er zum zweiten Mal Vater.

Sara Lienemann

Quellen:

Interview mit Gael García Bernal in der Zeit

Porträt von Gael García Bernal auf dradio.de

Artikel über den Eröffnungsfilm “También la lluvia” – taz.de

Gael García Bernal auf Wikipedia

Mena (Marina Golbahari) soll bald verheiratet werden. Ihren Verlobten hat sie einige Male gesehen: durch das Loch in der Mauer, durch das er ihr kleine Geschenke hinterlässt. Bei einer dieser “Begegnungen” entgleitet Mena ein Lächeln, als die Blicke der beiden sich treffen. Mit diesem Lächeln verstößt sie gegen die strengen Regeln. Die Szene ist eine von vielen in diesem Film, in denen Konventionen ohne böse Absicht durchbrochen werden. In denen die gesellschaftlichen Forderungen und Zwänge deutlich werden, denen Mena ausgesetzt ist.

Mejgan, die gebürtige Afghanin im kanadischen Filmteam – gespielt von Nelofer Paziras selbst -, kann Mena dazu überreden, eine kleine Rolle im Film zu übernehmen. Als Gegenleistung verspricht sie ihr eine Burka, ein traditionelles Kleidungsstück, das nur während der Hochzeitsnacht von der Braut getragen wird. Mena sagt zu und bricht damit wiederum Konventionen. Mit ihrer Zusage verstößt Mena gleich gegen mehrere Regeln ihrer Gesellschaft: Sie verlässt nicht nur das Haus, sondern trägt während des Filmdrehs eine Burka in der Öffentlichkeit. Als Mena von ihren Brüdern und einigen anderen Einwohnern beim Dreh der Szene gesehen wird, will sie nach Hause zurückkehren. Doch ihr Ungehorsam hat sich bereits im Dorf herumgesprochen.

Die Folge: Ihre Ehre, die in den Augen der Dörfler besudelt worden ist, muss wiederhergestellt werden. So werden nicht nur Menas eigener Vater, sondern auch ihr Verlobter genötigt, die Schuld zu begleichen – durch Blut. Der junge Mann, dem Mena zur Ehe versprochen worden ist, befolgt die strenge Tradition seiner Familie, die viel Wert auf Ehre legt, bereits seit frühester Kindheit. Vor allem die Szenen, in denen Mena und ihr Verlobter sich miteinander konfrontiert sehen, gehören zu den elementarsten und spannendsten des Films.

Die Regisseurin Nelofer Pazira, die wie ihre Filmfigur Meijgan afghanischer Herkunft ist und in Kanada lebt, stellt in ihrem ersten Spielfilm nicht den politischen Konflikt in Afghanistan in den Vordergrund, sondern zwischenmenschliche Konflikte aufgrund strenger religiöser und gesellschaftlicher Konventionen. Pazira entwirft Szenarien, in denen die Akteure sich nicht für ein klares Gut oder Schlecht, sondern das kleinere von zwei Übeln entscheiden müssen. Viele der Figuren scheinen innerlich zerrissen zwischen der Sicherheit der bekannten Lebensweise und der Ahnung, dass diese Sicherheit auch ein Gefängnis für eigene Wünsche darstellt. Ein Konflikt, dem im Film Verfechter beider Seiten zu erliegen drohen.

Durch die sparsame Nutzung von Filmmusik wirkt der Film fast dokumentarisch. Auch wenn die Handlungen der Akteure einem Drehbuch entspringen, ist das Thema des Filmes doch fern von jeder Fiktion. Eine der Hauptfragen, um die es in dem Film geht, ist: “Was tun?” – und entspricht damit dem Motto des diesjährigen Internationalen Frauenfilmfestivals. Schaut man den Film, sieht man sich mit dieser Frage ebenso konfrontiert wie die Protagonisten selbst. “Act of Dishonour” liefert keine klaren Antworten – wie könnte er auch? Aber er motiviert 92 Minuten lang, die richtigen Fragen zu stellen.

Act of Dishonour läuft am Samstag, 16.4.2011, um 20:30 Uhr im Roxy Kino.

Jan Philipp Orth

Maren Kroymann ist vielen aus Serien wie „Oh Gott Herr Pfarrer“ und ihrer eigenen Show „Nachtschwester Kroymann“ bekannt. Das jüngere Publikum kennt sie wahrscheinlich vor allem durch ihre Rolle der besorgten Mutter aus „Mein Leben & Ich“ oder der Buchverfilmung „Maria, ihm schmeckt´s nicht“. Sie ist Schauspielerin, Kabarettistin und Sängerin – und eine der wenigen geouteten Lesben im deutschen Showbusiness.

Aufgewachsen mit vier Brüdern im beschaulichen Tübingen absolvierte Kroymann 1967 ihr Abitur und besuchte ein Frauen-College in den USA. Zurück in Deutschland begann sie ein Studium der Anglistik, Amerikanistik und Romanistik und sammelte nebenbei erste Theatererfahrungen. Der Durchbruch gelang ihr im Jahre 1982, als sie mit ihrem ersten Bühnenprogramm „Auf du und du mit dem Stöckelschuh“ für Begeisterung bei Zuschauern – überwiegend Zuschauerinnen – und Kritikern sorgte. Neben einem Plattenvertrag folgte ein Auftritt bei Alfred Biolek – seitdem ist die Schauspielerin von deutschen Bühnen und Leinwänden nicht mehr wegzudenken.

Neben den Zuschauern wissen auch zahlreiche Jurys die Qualität von Kroymanns Arbeit zu schätzen: Kroymann erhielt 2000 den Berliner Frauenpreis für ihr „Werk als Kabarettistin und Schauspielerin und ganz besonders für ihr mutiges und wegweisendes feministisches Kabarett“, sowie den Goldenen Leoparden 2006, den sie für ihre Rolle in dem Film „Verfolgt“ bekam. Auch den Preis der deutschen Filmkritik 2007 kann Kroymann ihr Eigen nennen.

Nicht zum ersten Mal hat Maren Kroymann nun die Seiten gewechselt, in der Jury des Femina-Film-Preises war sie bereits aktiv, nun gehört sie zum Jury-Team des IFFF. Was erwarten wir von Frauen in dieser Position? Keine Frage: reiche Erfahrungen im Filmgeschäft. Und was noch? Weit- und Überblick und Mut zur eigenen Meinung.

Den Blick über den Tellerrand der Schauspielerei hat Maren Kroymann immer wieder gesucht: Mehrere Auslandsaufenthalte hat sie hinter sich – und auch ihre Lektürevorlieben zeigen, wie gern sie Neues kennenlernt. „Gut ist, was bildet“, sagte sie dem Berliner Tagesspiegel 2010 in einem Interview. Sie interessiere sich für Philosophie, Soziologie und Bücher von Karl Marx. Und sie liest „alles, was mit Schwul oder Lesbisch zu tun hat“.

Kroymann ist bekannt für schlagfertige Antworten und hält sich nicht gerne bedeckt.  Guido Westerwelle bezeichnet sie als „durchschaubar“, Harald Schmidt „gibt sich in seinem Job keine Mühe mehr“ und ihr fehlen definitiv homosexuelle Menschen in hohen Ämtern – beispielsweise im seriösen Journalismus.

Wer Maren Kroymann live erleben will, kann das am Donnerstag, 14.4., ab 20 Uhr im Roxy: Dort steht Maren Kroymann Rede und Antwort, anschließend wird „Verfolgt“ gezeigt.

Julika Röhrich

Quellen:

“Eine attraktive Frau darf sogar Stalinistin sein” – Maren Kroymann im Interview mit dem Tagesspiegel

Maren Kroymann ungefiltert – Die Website von Maren Kroymann

Maren Kroymann – Wikipedia

Nach einem Kinobesuch war der damals vierjährige Nils von den sprechenden Autos in einem Zeichentrickfilm so schwer beeindruckt, dass er eine Sammelleidenschaft für Modellautos entwickelte, die er bis ins Erwachsenenalter pflegte. Ähnlich Jasmin, die als kleines Mädchen einen Tanzfilm sah und beschloss, Ballerina zu werden. Heute tanzt sie im Ensemble einer staatlichen Oper. So oder so ähnlich hat Film schon häufig Menschen inspiriert und ihre Schicksale beeinflusst.

Denn Film berührt, manchmal beflügelt er. Film thematisiert, manchmal öffnet er Augen. Doch was bleibt von diesem Augenblick, wie nachhaltig ist seine Wirkung? Wir lachen, weinen oder grübeln, wenn die Geschichte eines Films es so will. Aber hat Film auch die Kraft, Menschen zum Handeln zu bewegen.

Film & Tabus

Film kann Themen ins öffentliche Interesse rücken und den Blick auf gesellschaftliche Randgruppen oder Tabus verändern, meint Gereon Blaseio, wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft der Universität Köln. „Man denke nur an die religiösen Auseinandersetzungen eines Ingmar Bergman oder die Queer-Filme von Rosa von Praunheim. Aber auch an Debatten rund um Hollywood-Reißer wie Basic Instinct.“ Es seien gerade skandalöse, Tabu verletzende Beiträge, die „gesamtgesellschaftliche Debatten anstoßen und letztlich ein Sprechen über diese Themen ermöglichen“.

An eine Langzeitwirkung von Film glaubt auch Silke Räbiger, künstlerische Leiterin des Internationalen Frauenfilmfestivals. Sie geht davon aus, dass Eindrücke aus allen Formen von Kunst „zu einem späteren Zeitpunkt im Bewusstsein wieder aktiviert werden und in neue Zusammenhänge gestellt werden können“ und so zum Erkenntnisgewinn der Zuschauer beitragen. Dabei denkt sie an persönliche Erlebnisse zurück: „Als Kind habe ich das Buch Die Wolke von Gudrun Pausewang gelesen. Die gespenstische Szenerie daraus hatte ich vor Augen, als es damals zum Super-GAU in Tschernobyl kam und zuletzt bei den Ereignissen in Japan. Weil mich das Buch damals so beeindruckt hat, habe ich eine lebhafte Vorstellung davon, wie es in den betroffenen Regionen aussehen könnte.“

Film & Diskurs

So wird die kommunikative Bedeutung von Film schnell klar, mal im Kleinen beim einzelnen Zuschauer, mal im Großen im öffentlichen Diskurs. Das sieht Blaseio genauso: „Für mich ist Film durch kulturellen Austausch geprägt. Er bietet ein Fenster, durch das man Bewegung und Kommunikation zwischen verschiedenen Kulturen und Zeiten beobachten und sogar erzeugen kann.“

Doch inwiefern kann Film über seine meinungsbildende Funktion in der öffentlichen Diskussion hinaus wirken und reale Ereignisse auslösen? Film müsse als Zeichen der Zeit wahrgenommen und als mit beeinflussender Teil des ständigen, gesellschaftlichen Wandels verstanden werden, erklärt Gereon Blaseio. Insofern sei es „ein wenig die Frage nach der Henne und dem Ei“.

Auch Silke Räbiger spricht Film von der Verantwortung frei, konkreter und unmittelbarer Auslöser für irgendetwas sein zu müssen: „Wenn ein Film gut ist, dann wird er das Publikum berühren und bewegen. Mehr kann niemand verlangen. Wie die Menschen dann damit umgehen ist allein ihre Sache.“

Sonia Güttler

Bild: Gabi Eder / www.pixelio.de